Zu Beginn meines Besuchs bei einem Modedesigner Nancy Stella SotoIch bemerke ein Gemälde eines Clowns, das an der Wand hängt. Es ist eine unheimliche Szene, grell und karnevalesk, aber über den Stapeln ihrer bezaubernden Kleidung thront das Stück fast poetisch. Wenn man Soto und die Milieus, die sie umkreist, kennt, könnte der Clown durchaus ein Geschenk eines Kunststars aus LA sein. Also frage ich: „Welcher Künstler hat das gemacht?“
„Das?“ schnappt Soto und bricht in ihr ansteckendes, überschwängliches Lachen aus. „Das habe ich in einem Gebrauchtwarenladen gefunden!“
Sotos Studio in der Innenstadt – wo wir uns treffen, um über ihren Aufenthalt im Hammer Museum in LA zu sprechen – ist vollgestopft mit vielen solchen Objekten, die die Grenze zwischen Schatz und Müll verwischen. Es gibt einen roten Siegelring, der mit einem Mikroporträt des Mannes gekrönt ist umarmt den Hindu-Guru Amma neben einer durchscheinenden grünen und gelben Kornähre. Auf ihrem Schreibtisch liegt ein gerahmtes Foto von drei grinsenden Ottern neben einem riesigen schwarzen Feuerzeug mit der Aufschrift „Las Vegas“ auf der Seite. Die Kuriositäten passen unheimlich gut zu den Regalen ihrer eigenen, fantasievollen Kleidung, die heute vielleicht mehr als jede andere Linie zwischen der Welt der Mode und der Kunst flirtet.
Diese Flexibilität machte Soto zum Teil zu einem idealen Kandidaten für das neueste Artist-in-Residence-Programm des Hammer, einem prestigeträchtigen Programm mit wenigen Regeln, Erwartungen oder Einschränkungen. Manchmal führt eine Residenz Künstler zu Ausstellungen und Performances, manchmal zu Forschung und Studium. Kurz gesagt, die Bewohner können fast alles tun, was sie wollen. Soto nutzte die Unterstützung der Residenz, um das Beste zu tun, was Nancy Stella Soto sich vorstellen kann: eine Reise in die Huarache-Hauptstadt der Welt, um ihre erste Schuhkollektion zu entwerfen.
In Michoacán ging sie von Tür zu Tür und fragte Fremde, ob sie „jemanden wüssten, der noch die Nageltechnik anwendet“, um Huaraches auf traditionelle Weise herzustellen. Diese Art von Rauferei bleibt in Nancy Stella Soto verankert, sowohl in der Künstlerin als auch in der Marke. Der gesamte Vorgang findet nur wenige Kilometer von ihrem Studio im Produce District entfernt statt und Soto kennt alle Hände, die ihre Kleidungsstücke berühren, genau.
Sie können dieses Ethos an den Schuhen erkennen, mit denen sie zusammengearbeitet hat Huaracheros. Stilvoll und avantgardistisch, die Schuhe besitzen eine trotzige Rohheit, die aus einer DIY-Einstellung und der Notwendigkeit von Einfallsreichtum entsteht: Die Sohlen werden aus gebrauchten Autoreifen geschnitten und mit zahnstocherdünnen Nägeln zusammengehämmert. Ästhetisch und philosophisch scheint Soto mit einem viel größeren Publikum im Gespräch zu sein als mit den Boutiquen, in denen ihre Kleidung oft verkauft wird. Ihre Arbeit – architektonisch in der Form und bacchantisch im Geiste – erinnert an alles, von Kimonos bis hin zu Cartoons, Müllsäcken und Heißluftballons, Picknicks und ja, sogar bizarren Secondhand-Clown-Gemälden. Soto erhebt Kleidungsstücke eher zu tragbaren Skulpturen.
„Ich bin immer überrascht, wenn jemandem etwas gefällt, das ich mache, denn um ehrlich zu sein, mache ich alles, was ich mache, für mich selbst“, erzählt sie NYLON. „Und wenn es nebenbei noch jemandem gefällt, ist es überraschend und lohnend.“
Sotos Weg vom Clubkind zur Präsentation ihrer Arbeiten in einem Elite-Kunstmuseum ist eine einzigartige L.A.-Geschichte. Die Geschichte spricht die vielen widersprüchlichen Impulse und Antriebe der Stadt an: ihre punkige Unterseite, ihre glamouröse Fassade, ihr unerbittliches Bedürfnis nach Neuerfindung. Und wenn Kleidung überhaupt etwas bewirken kann, dann kann sie uns die Möglichkeit geben, zu einer anderen Version von uns selbst zu werden und zwischen verschiedenen Welten zu schlüpfen, dem Hoch und dem Niedrig, dem Formalen und Verspielten, dem Ernsten und Albernen. Wenn auch nur für kurze Zeit.
Warum ist es für Sie wichtig, dass eine Institution wie der Hammer den Wert Ihrer Arbeit erkennt? Ich meine, ich sehe den Wert Ihrer Arbeit …
Natürlich ist es mir wichtig, dass Ihnen meine Arbeit gefällt! Ich denke einfach, dass es für eine Kunstinstitution auch sinnvoll ist, den Wert meiner Arbeit als Bekleidungshersteller zu sehen. Die Kuratorin des Hammers, Erin Christovale, betonte, dass sie es zu schätzen weiß, wie sehr lokal und gemeinschaftsorientiert ich bin. Ich beziehe alle meine Materialien lokal; Jeder, mit dem ich zusammenarbeite, befindet sich in einem Umkreis von 5 Meilen. Dafür Anerkennung zu bekommen, fühlt sich großartig an.
Sie sind in LA mit der Bekleidungsindustrie aufgewachsen. Malen Sie für mich ein Bild Ihrer Jugend.
Ich wurde in East LA geboren, wuchs in Highland Park auf und zog für meine High-School-Zeit nach Rowland Heights. Als meine Mutter aus Mexiko auswanderte, arbeitete sie als Näherin in Downtown LA. Sie arbeitete für ein Lederwarenunternehmen und war Knopflochfrau. Als ich ein sehr kleines Kind war, verbrachte ich manchmal den Tag mit ihr bei der Arbeit. Der Herstellungsprozess von Kleidung hat mich schon in jungen Jahren fasziniert.
Ich bin mit einer alleinerziehenden Mutter aufgewachsen und mein Vater war nicht so präsent. Er hat in der Lebensmittelindustrie gearbeitet und ich finde es interessant, dass sich mein Studio im Produce District befindet, oder wie ich es gerne als Piñata District bezeichne. Ich habe diese ständigen Erinnerungen an meine Eltern, ihre Anfänge in diesem Land und wie ich mich in dieser Umgebung weiterentwickelt habe.
Was ging Ihnen damals durch den Kopf?
Ich sah mich als Entdecker. Die Bekleidungsindustrie hat mich verzaubert: die Industriemaschinen, die durch die Straßen rollenden Regale, die Menschen, die Körbe voller zugeschnittener Stoffstücke schieben, bevor sie zusammengenäht werden. Ich war schon in jungen Jahren mit jedem Unternehmen vertraut, das zur Herstellung eines Kleidungsstücks erforderlich ist, und es hat mir sehr gut gefallen. [In high school,] Ich war definitiv ein Gothic, aber im letzten Jahr der High School habe ich mein Gothic-Outfit aufgegeben und bin Raver geworden. Ich habe Party-Outfits gemacht und viel Psychedelika genommen.
Was war dein Soundtrack?
Ich denke, Sie können sich das vorstellen. Später in der High School wurde der Soundtrack zu Techno, House, Jungle und einem Hauch fröhlichem Hardcore.
Und du bist in Clubs gegangen?
Ja Ja Ja. Clubs, Lagerhauspartys und Wüsten-Raves. Wir hatten gefälschte Ausweise, die meine Freunde und ich im MacArthur Park bekamen. Auf meinem war mein tatsächliches Foto und das Geschlecht als männlich angegeben, und niemand hat es jemals in Frage gestellt.
Wie war es, aus dieser Einwandererwelt im Fashion District zu kommen und in diese Szene hineinzufallen?
Es war sehr natürlich. Ich meine, zumindest für mich. Für meine Mutter war es das nicht. Sie unterstützte meine Neugier mit Kleidung und Stil, war aber von meiner Eigenartigkeit ziemlich angewidert. Als Teenager war ich voller Freude und Aufregung und die Reaktion meiner Mutter war verwirrend und herzzerreißend. Bei einigen meiner engsten Familienangehörigen fand ich Unterstützung. Und alle meine Freunde, von denen viele auch queer waren. Aber zu Hause hatte ich nicht das Gefühl, ganz ich selbst sein zu können.
Haben Sie diese Zeit damit verbracht, darüber nachzudenken, dass Sie Ihre eigene Marke gründen würden?
Nicht unbedingt. Ich sah mich einfach als Beobachter, als Beobachter, der Fähigkeiten anhäufte, nehme ich an. Einer meiner Jobs war die Arbeit als Designerin bei einem Textilunternehmen in North Hollywood, wo ich neue Fähigkeiten erlernte, die sich von der Bekleidungsherstellung unterschieden. Ich begann mich für voluminöse Formen und gewebte schwere Stoffe zu interessieren. Was ich dort gelernt habe, setze ich auch heute noch in meiner Arbeit um.
Was brachte Sie schließlich dazu, zu sagen: „Okay, ich fange mit Nancy Stella Soto an“?
Ich konnte keinen Job bekommen. Ich absolvierte ein kurzes Programm am Central Saint Martins in London und verbrachte dann sechs Monate in Indien, um Textilforschung zu betreiben. Ich war zweieinhalb Jahre lang von LA weg. Als ich zurückkam, begann ich, mich für Designjobs zu bewerben. Ich habe nie ein Interview oder gar eine Antwort bekommen. Es blieb mir nichts anderes übrig, als meine eigene Marke zu gründen. Im Grunde habe ich mir einen Job geschaffen.
Ich betrachte Sie als jemanden, der in der Kunstwelt verwurzelt ist und dessen Arbeit sich von der der meisten Modemarken unterscheidet. Es ist skulptural und führt dieses andere Gespräch. Erzählen Sie mir mehr über Ihre Beziehung zur Kunstwelt.
Viele meiner Freunde sind Künstler, Schriftsteller und Kreative im Allgemeinen. Ich meine, da ich selbst ein kreativer Mensch bin, mit wem soll ich Zeit verbringen, Sammy?
Aber glauben Sie, dass Ihre Kleidung im Dialog mit der Kunstwelt steht, in der Sie sich bewegen? Oder projiziere ich das auf sie?
Ich sehe meine Kleidung nur als Kleidung, aber ich schätze, der Punkt ist, dass ich sie für mich selbst interessant machen muss. Ich muss eine andere Technik hinzufügen oder eine weitere Schicht über die Standard-Kleidungsherstellung hinaus hinzufügen. Wenn ich ein Kleidungsstück anfertige, schicke ich es nicht einfach zum Zuschneider und dann zum Näher, ich muss es irgendwie manipulieren. Ich bringe es zurück ins Studio, um darauf zu zeichnen oder etwas daraus auszuschneiden. Es gibt ein zusätzliches Detail, das ich dem Kleidungsstück gerne hinzufügen möchte. Es ist meine Hand in jedem einzelnen Stück.
Erzählen Sie mir von Ihrem Ausflug in die Welt der Schuhe.
Die Hammer-Residenz machte dies möglich. Ich habe mich schon immer für Schuhe und eine traditionelle Art der Herstellung interessiert, einfallsreicher Umgang mit Materialien, zu denen man Zugang hat. Ich bin Mexikaner, also dachte ich, ich würde den Huarache als Ausgangspunkt nehmen.
Ein Huarache ist ein traditioneller mexikanischer Schuh aus Lederriemen. Die Huaracheros kaufen gebrauchte Reifen und haben Metallstempel in Form der Sohle. Sie schneiden die Schuhsohle aus dem Reifen und formen die Lederriemen um einen Leisten, um den Schuh zu formen. Mit diesen kleinen Nägeln hämmern sie dann den ganzen Schuh zusammen. Diese Technik wird nicht mehr so oft verwendet, da sie arbeitsintensiv ist und viele Menschen zu moderneren Techniken wie dem Nähen oder dem einfachen Zusammenkleben der Sohlen übergegangen sind.
Und wie war Ihre Reise in die Huarache-Hauptstadt Mexikos, um diese Schuhe herzustellen?
Ich wusste, dass ich keinen traditionellen Huarache herstellen wollte, sondern einen Schnürschuh, aber mit der traditionellen Technik der Reifensohle und Nägeln. Ich ging von Tür zu Tür und fragte die Leute … und schließlich wurde ich zu diesen Brüdern geschickt, die seit 40 Jahren Huaraches herstellen. Sie würden sich jedoch nicht verbiegen. Sie waren nicht bereit, etwas anderes als die beiden Designs zu machen, die sie seit Jahrzehnten produzieren. Vielleicht könnte ich die Farbe oder die Form eines Riemens ein wenig ändern, aber nichts allzu drastisches. Sie schlugen einen anderen vor Huarachero das hat produziert [them] seit 55 Jahren. Ich ging zu ihm nach Hause und beschrieb, was ich machen wollte, und er war offen dafür, mir zu helfen.
Ich habe so gut ich konnte ein Muster zusammengestellt, damit er eine Vorstellung davon hatte, was ich erreichen wollte. Von dort aus haben wir gemeinsam die zusätzlichen Größen erstellt. Es gab viel Hin und Her. Ich würde zu einem anderen Lederverarbeiter gehen, der schweres Leder näht, um die Applikationen auf den Schuh zu nähen, bevor er zusammengebaut wird. Dann würde ich zurücklaufen Huarachero und wir legten alle Teile übereinander, klebten alle Komponenten zusammen und dann nagelte er die Sohle fest. Als ihm am Ende der von uns hergestellte Schuh wirklich gefiel, fühlte sich das für mich inspirierend an. Er meinte: „Wow, sie sehen tatsächlich gut aus!“ Ich freue mich über diese Antwort.
Du bist für mich so eine LA-Figur. Was ist mit LA, das jetzt zu Ihnen zieht, nachdem Sie Ihr ganzes Leben hier verbracht haben?
Alle Menschen, mit denen ich zusammenarbeiten darf, die Integrität und die Liebe, die sie für ihr Handwerk haben. Die Schneider, die Nähunternehmer, die Stanzschneider, die Sortierer und die Textilarbeiter im Allgemeinen. Die Menschen sind so stolz auf ihre Arbeit und ich liebe es, mit dieser Energie zusammen zu sein.
Für mich ist Ihre Arbeit dieser typische LA-Mix aus kulturellen Ephemera. Secondhand-Läden treffen auf High-End-Modeästhetik, treffen auf glamouröse Kunstwelt und Müll, den man am Straßenrand findet. Woher kommt das alles für Sie?
Genau so habe ich LA immer erlebt. Abhängig von der Nachbarschaft, in der Sie spazieren gehen oder durch die Sie fahren, ist es das, was es ist. Es ist eine Mischung aus Kulturen, Architektur, Farben, Epochen, und sie alle kommen zusammen. Sie können alle sehr unterschiedlich sein oder alle miteinander verschmelzen, und ja, ich denke, das ist die Art und Weise, wie ich meine Umgebung durch meine Kleidung zum Ausdruck bringe. Es ist ein Spiegelbild der Stadt, in der ich aufgewachsen bin und die ich liebe.
Dieses Interview wurde aus Gründen der Klarheit bearbeitet und gekürzt.