Mit den jährlichen Costume Institute-Ausstellungen des Metropolitan Museum of Art, die regelmäßig rekordverdächtige Besucherzahlen anziehen und ein erneutes Interesse an traditionellen Couture-Marken wie Schiaparelli oder Jean Paul Gaultier wecken, lässt sich nicht leugnen, dass Mode eine Kunstform an und für sich ist.
Aber in letzter Zeit scheint es, als würden die coolsten Klamotten, die man kaufen kann, von echten, buchstäblichen Künstlern hergestellt – wie von Menschen mit einem Hintergrund in der bildenden Kunst, die in die Modewelt gezogen sind. Da ist Dan Colen – der Künstler, der einst auftrat die Abdeckung von New York Zeitschrift neben Dash Snow und Ryan McGinleyund deren Skulpturen überall aus dem Gagosian zu sehen sind zum UN-Plaza – hat jetzt Sky High Farm Workwear, eine Linie, die Designs von Colen und Freunden der Kunstszene enthält, wobei alle Erlöse davon profitieren seine gemeinnützige Sky High Farm.
Sterling Rubin, Wer zum New York Times als einer der interessantesten Künstler dieses Jahrhunderts bezeichnetwechselte 2019 von der Zusammenarbeit mit Raf Simons sowohl bei seiner gleichnamigen Marke als auch bei Calvin Klein zur Gründung eines eigenen Modelabels, SRSTUDIO.LA.CA Colm Dillanes LVMH-preisgekrönt KidSuper, wo jedes Grafikstück Dillanes Originalvorlage enthält.
Wenn es jedoch eine Designerin gibt, die diesen Stilmoment veranschaulicht, dann ist es Carly Mark. Als Kunstkind in der High School interessierte sie sich für Mode, glaubte aber nicht, dass dies beruflich etwas für sie sein könnte.
„Ich habe ein bisschen in der Modebranche gearbeitet, aber ich dachte, ich wollte ein bildender Künstler werden, weil mich etwas an Mode ein bisschen aus der Fassung gebracht hat“, sagt Mark. „Ich war davon genauso eingeschüchtert wie von den Mädchen auf dem Cover von NYLON. Kunst fühlte sich emotionaler und intimer an.“
Nach einem Jahrzehnt Arbeit in Galerien und in ihrem eigenen Atelier für bildende Kunst, wo sie eine Anhängerschaft für ihre Gemälde von Snackverpackungen entwickelte (wie ein von Haribo-Gummibären inspiriertes Stück, das in The Armory gezeigt wird) und ähnlich thematisierte Videos mit Leuten wie Eric Wareheim, erkannte Mark, dass sie sich nicht erfüllt fühlte. Es stellte sich heraus, dass Kunst ein Geschäft ist, genau wie alles andere, und die Praxis, ihre Arbeit zu machen, könnte einsam sein. „Zumindest für mich, meine Kunstpraxis, hatte ich Assistenten, aber Kunstpraxen fühlen sich im Allgemeinen ziemlich isoliert an – zumindest so, wie ich es wirklich gerne mache. Bei der Mode braucht es wirklich ein Dorf – oder ich nenne es gerne einen Zirkus – um etwas zu erledigen“, erklärt sie.
Es gab ein paar verschiedene Wege, die sie 2018 ausprobieren wollte, aber der erste entpuppte sich als Puppets and Puppets, wo Mark ihre skulpturale und grafische Herangehensweise an die Kunst mit einem Konsumethos „weniger ist mehr“ kombiniert. Endlich hat bei ihr alles gepasst.
„Mir hat die Transparenz gefallen – ich finde es toll, dass man weiß, dass man ein Produkt herstellt, dafür ist man hier“, sagt Mark. „Sobald das Produkt hergestellt ist, kommt es auf einen Körper, und jeder Körper ist anders; jeder stylt es anders und es bewegt sich in der Welt. Es hat für mich etwas Transzendenteres, als ich es in der Kunst gefunden habe.“
Jetzt können Fans Stücke von Marks Kunst für weit weniger kaufen, als wenn sie zum Beispiel ein Gemälde kaufen wollten: Eine der Kekstüten von Puppets and Puppets kostet etwa 475 US-Dollar, während ein malerischer Mantel etwa 1.500 US-Dollar kostet .
Ein Sky High Farm Workwear-Hoodie bringt Ihnen rund 200 US-Dollar zurück – ein regelrechter Schnäppchen im Vergleich zum 3 Millionen US-Dollar kosteten seine Flammenbilder „Untitled (Fire, Red/Black U)“ aus dem Jahr 2005, die 2014 bei einer Auktion erzielt wurden; Am anderen Ende des Spektrums befindet sich ein grafisches T-Shirt im Wert von 1.000 US-Dollar von SRSTUDIO.LA.CA, das immer noch ein Bruchteil davon ist die 58.000 €, die Sie für eine der Originalkeramiken von Ruby ausgeben würden. Und bei KidSuper, der Puffer von Sotheby’s, der mit Dillanes Arbeit bedruckt ist ist $500; Eines seiner Originalgemälde wurde bei einer Dazed-Ausstellung in Südkorea für das 40-fache dieses Preises verkauft.
Noch besser, diese Investition lebt ein größeres Leben als sonst, sagen wir, in Ihrem Wohnzimmer. „Sie genießen beides täglich, aber auf sehr unterschiedliche Weise“, sagt Cary Leitzes, Gründer und Präsident von LEITZES&CO, der Kreativagentur hinter einigen der größten Kunstkooperationen der jüngeren Geschichte. (Denken Sie an Cindy Sherman für MAC oder Kenzos von Antonio Lopez inspirierte Frühjahrskollektion 2017.) „Kunstwerke, mit denen Sie leben, hängen an der Wand; Kleidung sehe ich als Ausdruck dessen, wer du bist – es ist ein Signifikant.“
Eine gewisse kreative Freiheit kann auch für Designer bestehen, die keine traditionelle Modeschulausbildung erhalten haben. „Weil ich die Regeln nicht kenne, weiß ich nicht, ob ich etwas falsch mache“, sagt Mark. Sie hat ein Team von Leuten bei Puppets and Puppets, die tat Gehen Sie den Parsons/Pratt/FIT-Weg, der helfen kann, ihre Ideen in tragbare Kleidungsstücke umzusetzen – aber ihre Perspektive bedeutet oft, dass sie Kleidung auf unorthodoxe Weise strukturieren kann.
„Ich betrachte die Sache so, wie sie ist, ich denke nicht darüber nach, wie sie sein sollte“, erklärt sie. „Ich verstehe, dass man sich über etwas Gedanken macht, wenn einem beigebracht wurde, es auf eine bestimmte Weise zu tun, oder wenn man verschiedene Stimmen in seinem Kopf hat – Lehrer, Mentoren usw. –, aber ich habe nichts davon.“
Mark verwendet das Beispiel einiger früher entbeinter Stücke in ihrer Sammlung, die nicht ganz in der Form zusammenkamen, die sie wollte. Das Team wusste, dass es durch das Training auf technische Probleme gestoßen war, aber Mark ging ohne Erwartungen an die Sache heran sollte gebaut werden und konnte das Problem mit nur einem Stück Schnur lösen.
Vielleicht bedeutet das, dass bildende Künstler nicht immer die technisch beeindruckendste Kleidung herstellen, aber das schmälert nicht die Wirkung ihrer Ideen. „Großartige Kreative können ihre Vision fließend in mehrere Medien übertragen; Teil der Mode ist die Selbstdarstellung durch Kleidung, während Künstler [find] Selbstausdruck durch welches Medium auch immer“, sagt Leitzes. „Ein kreativer Kopf kann, wenn er eine Welt und eine Identität und eine Sprache seiner Kreativität geschaffen hat, diese durch mehrere Arten von Medien filtern.“
Am Ende des Tages sind zwei kreative Köpfe jedoch fast immer besser als einer – weshalb Leitzes die Welt der bildenden Kunst und der High Fashion am besten durch die Zusammenarbeit zwischen Künstlern und Designern verschmelzen lässt. Künstler sind an eine einsamere Arbeitsweise und einen langsameren Prozess gewöhnt, während Designer daran gewöhnt sind, die schnelllebigen Anforderungen des Modekalenders in einem überfüllten Studio zu erfüllen.
„Die beiden zusammenzubringen und auf andere Weise arbeiten zu müssen, mit unterschiedlichen Parametern, unterschiedlichen Ressourcen, ist für beide Seiten inspirierend, und meiner Meinung nach ergeben sich daraus die besten Kooperationen“, sagt Leitzes. „Es gibt eine Menge Gedankenerweiterung, die in die Zusammenarbeit einfließt, wenn man zwei Kreative aus leicht unterschiedlichen Bereichen hat.“
Sie zitiert Marc Jacobs als Pionier in diesem Bereich, sowohl als seine eigene Linie als auch durch seine Arbeit bei Louis Vuitton, wo er regelmäßig mit Künstlern auf Museumsebene wie Takashi Murakami, Richard Prince und Stephen Sprouse zusammenarbeitete – Modeartikel, die genauso sind heutzutage als Kunstwerke auf dem Vintage-Markt zu sammeln – und Kim Jones als jemand, der auf brillante Weise Künstlerkollaborationen durchführt; Wo Kunst auf Mode treffen kann, ist jedoch ein Gewinn. Mit Linien wie Puppets und Puppets kann es bildende Kunst einem breiteren Publikum zugänglicher machen.
„Ich möchte, dass die Leute mit dem, was ich mache, interagieren; Wenn es nur so ist, als würde ich irgendwo sitzen und anderen Leuten das Gefühl geben, dumm oder ausgeschlossen zu sein, was mache ich dann? Meiner Meinung nach kann ich meine Zeit nicht gut verbringen“, sagt Mark. „Deshalb liebe ich meinen Puppenpullover und meine Kekstüte, weil man sie kaufen kann, man kann mit ihnen in der Welt existieren. Sie mögen ein bisschen seltsam sein, aber sie sind ziemlich praktisch, und Sie können ein Teil davon sein – ich wollen du sollst ein Teil davon sein.“