Sie erhalten niemals Skripte im Voraus und müssen sich Ihre Zeilen merken, sobald Sie die Voiceover-Kabine betreten.
Synchronsprecher sind ein wesentlicher Bestandteil des Animationsprozesses. Sie hauchen unseren Lieblingsfiguren Leben ein und machen sie für das Publikum unvergesslich, sei es durch ein blutrünstiges Lachen, einen autoritativen Ton oder die Art, wie sie einen Markenzeichensatz liefern.
Irrenhaus, Wit Studio, MAPPA
Aber hast du dich jemals gefragt wie ein Synchronsprecher bestimmt, wie die Stimme einer Figur klingen wird? Oder wie sie überhaupt Synchronsprecher geworden sind?
Um mehr über die Branche und das Leben eines Synchronsprechers zu erfahren, hat BuzzFeed mit ihm gechattet Austin Tindleder Hunderte von verschiedenen Charakteren in englisch synchronisierten Animes geäußert hat.
Geliefert
Einige davon sind Ihre Lieblingsfiguren in beliebten Animes wie Ken Kaneki (Tokio Ghul), Marco Bott (Angriff auf Titan), Karma Akabane (Klassenzimmer für Attentate), Neito Monoma (Meine Heldenakademie) und Yu Ishigami (Kaguya-sama: Liebe ist Krieg). Das ist jedoch nur eine kleine Auswahl von Austins beeindruckendem Lebenslauf als Synchronsprecher (im Ernst, schauen Sie sich seinen an IMDB)!
1.
Zunächst einmal gibt es keine Altersgrenze für die Voiceover-Arbeit und Sie können jederzeit beginnen, vorausgesetzt, Sie sind leidenschaftlich und fleißig.
Yanyong/Getty Images/iStockphoto
Laut Austin hatte er das College abgeschlossen und war acht Jahre lang in einem Vollzeitjob, bevor er sich entschied, zum Synchronsprecher zu wechseln. Während dieser Zeit war er in der Theaterarbeit aktiv, was dazu führte, dass er einen lokalen Agenten bekam, der ihm dann Vorsprechen für Funimation buchte, eine Firma, die sich auf die Synchronisation und den Vertrieb von Anime spezialisiert hat.
2.
Tatsächlich ist eines der größten Missverständnisse über Anime-Voiceover-Arbeiten, dass die Industrie erhöhte, karikaturartige Stimmen bevorzugt. In Wirklichkeit suchen sie nach geerdeten Darbietungen und natürlichen Stimmen.
Wit-Studio
Ausnahmen gibt es natürlich bei Animes und Zeichentrickfilmen wie Looney Tunes, zum Beispiel, wo sie nach einem Cartoon-Stil suchen. Aber zum größten Teil ist das beste Werkzeug, das Sie als Synchronsprecher haben können, Ihre eigene natürliche Sprechstimme, weil sie einzigartig ist und die Branche immer nach etwas Neuem sucht.
3.
Jeder fängt irgendwo an. Wenn Sie also neu in der Branche sind, werden Sie höchstwahrscheinlich auf Hintergrundstimmen eingestellt, bis Ihnen eine Hauptrolle zugetraut wird.
CloverWorks, StudioDeen
Der erste benannte Charakter, den Austin aussprach, war Alzack Connell in Märchen. Tyler Walker (ein Synchronsprecher, ADR [automated dialogue replacement] Ingenieur und ADR-Linienproduzent) arbeitete mit Austin an dieser Rolle, was ihn dazu veranlasste, Austin mit der Hauptrolle zu betrauen Ist das ein Zombie?.
4.
Manchmal passieren beim Synchronisieren Fehler, die erst bemerkt werden, nachdem die Folge ausgestrahlt wurde.
A-1 Bilder
In einer von Austins ersten Solo-Sessions spielte er in Staffel 2 von eine Nebenfigur Schwarzer Butler. Der Charakter hat einen Cockney-Akzent und laut Austin hat er einen der Vokale falsch gemacht. Es wurde jedoch nicht bemerkt und schaffte es sogar in die Luft!
5.
Sie müssen nicht vom ersten Tag an ein Hardcore-Anime-Fan sein, um in der Branche Voiceover-Arbeiten zu bekommen.
6.
Der größte Unterschied zwischen der Sprachausgabe und anderen Arten der Schauspielerei besteht darin, dass Sie Ihre Zeilen Moment für Moment aufnehmen können.
Studioknochen
Es funktioniert so, dass in der Voiceover-Kabine Bildschirme aufgestellt werden – einer mit der Animation und der andere mit einem Word-Dokument oder einer Excel-Tabelle mit Dialog. Sie sehen sich dann die Szene an und gehen von Stichwort zu Stichwort und versuchen, Ihre Sprache mit den Mundbewegungen der Figur in Einklang zu bringen.
Beim Synchronisieren von Anime arbeiten Sie höchstwahrscheinlich mit einem weitgehend fertigen Produkt, das im Vergleich zu anderen Arten der Schauspielerei dazu beitragen kann, Emotionen zu wecken. Austin sagte: „Wenn Sie in einem Film oder auf der Bühne sind, haben Sie nicht diese anschwellende Orchestermusik wie in diesen Anime-Szenen, die Synchronsprecher dann verwenden können, um Emotionen zu wecken. Sie ermöglicht es Ihnen, im Moment zu sein. Ich sehe, was die japanischen Schauspieler bereits getan haben, was der Kontext der Szene ist, was mir die Musik sagt, und es erlaubt mir, mit meinen Dialogen natürlich zu reagieren.“
7.
Außerdem haben Sie im Moment keine Schauspieler, die Sie ausspielen könnten, was bedeutet, dass nur Sie in der Kabine und der Regisseur versuchen, die Szene festzunageln.
Jacqueline Garonski/Getty Images/iStockphoto
Deshalb sind Regisseure in der Voiceover-Arbeit so wichtig. Sie sind dafür verantwortlich, den Synchronsprecher zu steuern und sicherzustellen, dass Ebbe und Flut dramatischer Szenen funktionieren, denn sie sind diejenigen, die alle Teile zusammenfügen.
8.
Jedes Animationsstudio hat seinen eigenen Prozess für die englische Synchronisation, aber viele davon versuchen, die „Klappen“ der Mundbewegungen einer Figur anzupassen.
@austindle / Via instagram.com
Laut Austin arbeitet Funimation gerne Cue-to-Cue, was bedeutet, dass ein Synchronsprecher die Szene zuerst auf Japanisch ansieht. Die japanische Spur wird dann entfernt und der Synchronsprecher muss versuchen, die Mundbewegungen der Figur nachzuahmen.
Im Vergleich dazu machen andere Studios das, was Austin „die J-Methode“ nennt, bei der sie auf Play drücken und ein Synchronsprecher beginnt, über den japanischen Track zu sprechen. Sie werden eine ganze Episode durchlaufen und dann zurückgehen und versuchen, das zu beheben, was nicht richtig klingt.
9.
Sie erhalten niemals Skripte im Voraus und müssen sich Ihre Zeilen merken, sobald Sie die Voiceover-Kabine betreten.
Atelier Pierrot
Austin sagte: „Wenn ich sage, Zeilen auswendig lernen, meine ich genau dort im Moment. Ich habe 30 Sekunden – manchmal wird es ein großer Monolog sein und Sie werden zwischen den Bildschirmen hin und her gehen. Sie versuchen, eine Idee zu bekommen was die Linie ist, damit Sie es sagen können, während Sie die Klappen überwachen. Im Allgemeinen haben Sie 30 Sekunden pro Cue und sie wollen, wenn sie können, 30-35 Cues in einer Stunde durchkommen. Es ist ein sehr technischer und mühsamer Prozess, weil Nicht alle Hinweise sind gleich und einige müssen neu gemacht werden. Es ist eine Fähigkeit, die man im Job entwickelt.“
10.
Auch wenn es sich einfach anhört, müssen Sie Ihren Sprachrhythmus sehr genau einhalten, insbesondere wenn Sie andere Geräusche wie Atmen, Lachen und Keuchen in Ihre Hinweise integrieren müssen, um die Animation zum Leben zu erwecken.
Lerche
Jeder Hinweis in der Anime-Voiceover-Arbeit beginnt mit dem, was manche Leute den Standard 102 nennen, was ein Ausatmungs- und dann ein Einatmungsgeräusch ist. Während diese im Drehbuch grundsätzlich beschrieben sind, zum Beispiel „offener Mund, sprachlos“, können Synchronsprecher dies je nach Stimmung der Szene ändern. Ein Beispiel, das Austin nannte, ist, wenn eine Figur leise über etwas empört ist – das wäre eher ein Ausatmen, gefolgt von einem schnelleren Einatmen.
11.
Sie müssen jedoch darauf achten, sich nicht mit diesen zusätzlichen Sounds für mehrere Charaktere zu wiederholen. Synchronsprecher müssen eine große Vielfalt in ihrem Werkzeugkasten zur Verfügung haben und ständig darauf aufbauen.
JC-Mitarbeiter
Austin sagte: „Heutzutage versuche ich gerne, einen Sound zu erzeugen, der so weit wie möglich von der Grundstruktur entfernt klingt. Ich sehe gerne, was ich sonst noch tun kann, besonders mit blutrünstigen Schreien oder Lachen. Ich habe so etwas von verrücktem, bösartigem Lachen, und immer wenn ich so einen Charakter habe, versuche ich, ihm etwas anderes hinzuzufügen, damit es nicht genau wie Accelerator klingt [from the A Certain Scientific anime series] oder wer auch immer.“
12.
Jeder Synchronsprecher hat eine andere Vorbereitungsmethode, um sich in die Rolle hineinzuversetzen – und ihre Methoden können sich im Laufe der Zeit ändern.
Wit-Studio
Als Austin jünger war, versuchte er, in das zu kommen, was er den „Modus“ nennt. Er würde ein paar Stimmübungen machen und wenn die Szene besonders anspruchsvoll war, sagen wir eine qualvolle Szene, würde er versuchen, diese Emotionen im Voraus zu nutzen. Heutzutage findet er das nicht mehr hilfreich und konzentriert sich stattdessen darauf, präsent zu bleiben, sensibel und sich sowohl der Szene als auch der Figur bewusst zu sein, sowie seine Stimme vorbereitet und locker zu haben.
13.
In einer Voiceover-Kabine übermäßig emotional zu sein, zum Beispiel während einer intensiven Szene zu weinen, kann tatsächlich mehr schaden als nützen.
Kyoto-Animation
Austin sagte: „Wenn du in der Kabine bist, kann die Szene überall hingehen. Du könntest in einer Sekunde ein schluchzendes Durcheinander sein müssen und in der nächsten, es soll der nächste Tag sein und deine Figur ist wieder fröhlich. Also, ich ‚ Ich habe festgestellt, dass das Weinen in der Kabine schädlich sein kann. Es klingt nicht besser und wenn Sie für die nächste Szene zu verstopft sind, kann es alles vermasseln.
14.
Die Stimmen der Charaktere in englischen Anime-Dubs sind vom japanischen Track inspiriert, werden aber letztendlich durch ein Gespräch mit dem Synchronsprecher und dem Regisseur festgelegt.
A-1 Bilder
Normalerweise hören sich Synchronsprecher und Regisseur zuerst den japanischen Track an, weil sie das in erster Linie würdigen wollen. Dann geht es darum, herauszufinden, was die englische Version davon ist. Der Synchronsprecher kann etwas vorschlagen und der Regisseur wird es optimieren, bis sie auf einer Stimme landen, mit der beide Parteien zufrieden sind. Laut Austin passierte genau dieser Prozess, als er als Yu Ishigami für den englischen Dub of gecastet wurde Kaguya-sama: Liebe ist Krieg.
In anderen Fällen wird ein Synchronsprecher aufgrund seiner natürlichen Sprechstimme für eine Rolle besetzt und verwendet sie daher, um den Klang der Figur zu bestimmen. Sie verwenden dann Ton- und Stimmplatzierung, die von den Absichten der Figur beeinflusst werden, um den konsistenten Klang einer Figur zu bestimmen.
fünfzehn.
Es gibt keinen typischen Arbeitstag für einen Anime-Synchronsprecher, aber sein Zeitplan wird normalerweise von den Staffeln der Show bestimmt, an der er arbeitet. Wenn sie an eine angeschlossen sind, könnten es 12 Folgen über drei Monate sein, wobei wöchentlich eine Folge veröffentlicht wird.
TNK
Denken Sie daran, dass Synchronsprecher normalerweise an mehreren Projekten beteiligt sind – und da die Anime-Produktion aufgrund des weltweiten Interesses schnell zunimmt, bedeutet dies, dass Stunden in Sprecherkabinen verbracht werden, um Zeilen aufzunehmen.
16.
Sie müssen Ihre Stimme wie ein Instrument behandeln – was bedeutet, dass Sie sich darum kümmern.
17.
Und wenn Sie dies nicht tun, kann die ständige Belastung Ihrer Stimmbänder zusätzlich zu einem vollen Terminkalender zu dauerhaften Schäden führen.
JC-Mitarbeiter
Austin erinnerte sich an einen Moment, als er Accelerator in Staffel 3 von sprach Eine bestimmte wissenschaftliche Railgun, was – nach einem intensiven Tag der Voiceover-Arbeit – dazu führte, dass seine Stimme brach. „Es gab diese eine Szene, die mich einfach kaputt gemacht hat, und man kann sogar meine Stimme in der Szene brechen hören, aber wir mussten sie an diesem Tag einfach hinbekommen. Ich bin mir ziemlich sicher, dass es bestimmte Geräusche gibt, die ich danach nicht mehr machen kann. „
Die Ansteckung mit der Omicron-Variante von COVID-19 wirkte sich auch auf Austins Stimmumfang aus, obwohl seine Symptome nicht schwerwiegend waren. Er sagte: „Seitdem gibt es bestimmte heftige Schreie in meiner Reichweite, die abgeschnitten werden.“
18.
In einigen Fällen müssen Sie Szenen aussprechen, die nicht vollständig animiert oder völlig still sind.
Cavan Images/Getty Images/Cavan Images RF
Laut Austin ist dies etwas schwieriger, aber Sie sammeln während des Jobs Erfahrung.
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Synchronsprecher zahlen im Allgemeinen nicht viel, weshalb Nebenbeschäftigungen der beste Freund eines Synchronsprechers sind.
20.
Das Schönste daran, Synchronsprecher zu sein, ist zu sehen, wie Fans deine Arbeit schätzen.
Pierrot
Austin sagte: „Die Schauspielerei war mir schon immer sehr wichtig, daher ist es eine Freude, daran teilzunehmen, und es ist eine Freude zu wissen, dass die Leute es schätzen. Sie können mit Fans sprechen und hören, dass diese Dinge bei ihnen Anklang finden.“
21.
Und schließlich gibt es keinen Unterschied in den Fähigkeiten zwischen einem Schauspieler und einem Synchronsprecher.