Der „Romanze-Comic“ ist ein fast 300-seitiges Hauptwerk, das den Leser direkt in die Zeit eintauchen lässt.
In den letzten 14 Jahren war Sammy Harkham in die düstere Welt von Los Angeles im Jahr 1971 eingetaucht. Viele Kreationen erfordern ein Eintauchen, aber nur wenige erfordern weniger als das Schreiben und Illustrieren von Comics. Dies gilt insbesondere für Harkham, der Tausende von Tafeln erstellt, geschrieben, gezeichnet und mit Tinte versehen hat, um sein fast 300 Jahre altes Hauptwerk zu schaffen Blut der Jungfraueine mitreißende, surreale und süchtig machende Graphic Novel über den Triumph und das Leid künstlerischen Ehrgeizes.
Die Geschichte dreht sich um den 27-jährigen Seymour, einen jüdisch-irakischen Einwanderer-Filmeditor für Exploitation-Filme, der 1971 in Los Angeles, zu Beginn des unabhängigen Filmemachens, die Chance erhält, bei seinem Drehbuch „Blood of the Virgin“ Regie zu führen. Es ist ein wahrgewordener Traum, nur dass sein Privatleben, mit einem neuen Baby und seiner Frau zu Hause, durch Seymours einzigartigen Antrieb zunehmend belastet und auf den Kopf gestellt wird. Wenn es sich wie Futter für einen Safdie Brothers-Film anfühlt, wären Sie nicht der Erste, der das denkt: Josh Safdie zählt sich selbst zu den Fans und hat einen Klappentext zu dem Buch beigesteuert.
Aber es ist kein Liebesbrief an diese Zeit und diesen Ort; Harkhams Impulse sind weniger rosig. Harkham ließ sich vor allem von der Beziehung seiner Eltern inspirieren: Sein Vater stammt aus dem Irak und seine Mutter wuchs auf einer Milchfarm in Neuseeland auf, und die beiden landeten in den 70er Jahren in Los Angeles.
„Ich redete mit meinem Vater und er erzählte mir, wie er als Einwanderer in LA mit einer jungen Frau und einem neugeborenen Baby lebte, keinen Dollar hatte und versuchte, einfach etwas zusammenzukriegen. Als er mir diese Geschichten erzählte, wurde mir klar, dass es noch all die anderen Dinge gab, von denen ich wusste, dass sie in seinem Privatleben passiert waren und über die er überhaupt nicht sprach“, sagt Harkham. „Es war also sehr lustig für mich. Er redet davon, seine Schwierigkeiten zu überwinden, während er in der Zwischenzeit ernsthafte Eheprobleme hat. Daraus entstand so etwas wie ein Liebescomic.“
Harkham war weiterhin von der Idee eines Liebescomics fasziniert – aber ihm fiel keins ein.
„Obwohl wir an Roy Lichtenstein und seine berühmten Gemälde von sehr melodramatischen Frauen mit einer einzelnen Träne denken, die sich fragen, wo ihr Mann ist oder was auch immer, können wir uns eigentlich nicht an die Wurzeln und Einflüsse dieser Gemälde erinnern“, sagt Harkham. „Ich denke, es ist nützlich, nicht zu wissen, wohin man geht, aber wenn man von Bildern und Ideen angetrieben wird, die man nicht versteht, dann erforscht man sie weiter, weil das Gehirn sie immer wieder auftauchen lässt, weil man es nicht zulassen kann sie gehen.“
NYLON sprach mit Harkham über einen langen kreativen Prozess bei Spielen, die alternativen Comics, die ihn als Kind inspirierten, und darüber, wie er sich vor der Veröffentlichung des Buches in das L.A. der 70er Jahre verstrickte.
Blut der Jungfrau Ist verfügbar jetzt aus dem Pantheon.
Sie haben 14 Jahre an diesem Buch gearbeitet. Wie fühlt es sich an, es jetzt auf der Welt zu haben?
Es fühlt sich gut an, dass es draußen ist. Es fühlte sich weniger wie ein Projekt an, das erledigt werden musste, sondern eher wie ein Teil meines täglichen Prozesses, eher wie ein Gärtner, bei dem man sich langsam um seinen Garten kümmert. Das Wachstum erfolgt so inkrementell, dass man einfach damit leben muss und sich nicht auf die Fertigstellung beschränken darf.
Der Vorteil davon ist, dass Sie jede Seite zählen lassen und einfach darin leben. In vielerlei Hinsicht besteht die Geschichte des Zeichentrickfilms darin, dass Menschen jahrzehntelang mit einer Gruppe von Charakteren arbeiten, aber das geschah, sagen wir mal, in einem täglichen oder wöchentlichen Streifen, also habe ich versucht, mich darauf einzulassen. Jetzt, wo es fertig ist, könnte ich nicht glücklicher sein. Ich finde das Buch wirklich schön, ich habe noch nie etwas veröffentlicht und hatte ein gutes Gefühl dabei. Normalerweise zucke ich innerlich zusammen und verstecke das Buch dann ein Jahr lang, und dann, vielleicht in einem Jahr, wenn ich Glück habe, sehe ich es und denke: „Oh, das ist nicht so schlimm.“ Aber bei diesem Buch war ich schockiert, wie gut es geworden ist. Ich bin stolz darauf und freue mich, dass die Leute es entdecken.
Ich liebe die Metapher, dass es sich um einen Garten handelt, den man pflegt. Oft möchte man ein kreatives Projekt einfach zu Ende bringen, anstatt es als Teil dessen zu betrachten, was man jeden Tag tut.
Von einem künstlerischen Unterfangen kann man nie etwas erwarten, schon gar nicht von dem, das man auf eigene Faust in Angriff nimmt. Es muss eines dieser Dinge sein, bei denen die Arbeit selbst der Lohn ist. Sie müssen einen Weg finden, damit klarzukommen und versuchen, Ihr Ego zu töten, ohne sich Gedanken darüber zu machen, ob jemand es überhaupt veröffentlichen wird. Denn hier ist die Sache: Wem nützt es, wenn Sie es überstürzen? Sie nützen weder sich selbst noch dem Leser. Mir ist klar, dass ich mich definitiv an Deadlines gehalten habe, aber es ging eher darum, Teil des Prozesses zu sein. Ich denke, das ist psychologischer als alles andere.
Ich könnte mir vorstellen, dass das auch dabei hilft, nicht so viel Zeit mit einem Panel zu verbringen.
Das ist richtig. Ich hatte eine Grundform davon, wo [the drawing] war der erste Tag, also würde ich die Seite ausschreiben. Ich schreibe kein Drehbuch, also würde ich die Seite gestalten und den Rhythmus herausfinden. Am zweiten Tag geht es darum, den Teil mit dem Bleistift herauszufinden, und am dritten Tag geht es dann um das Tuschen. Mir wurde klar, dass das Einfärben ein sehr performativer Akt ist, in dem Sinne, dass es fast so ist, als würde man eine Schallplatte auf ein Tonband drücken, das man nicht verschwenden darf. Man kam zum Ende und hoffte einfach, dass es gut genug war, denn es gab keine Möglichkeit, dass ich das Ganze dann noch einmal von Anfang an machen würde. Ich würde mir wünschen, dass, wenn man auf diese Weise arbeitet und seiner Intuition vertraut, selbst jemand, der sich Ihres Prozesses nicht bewusst ist, beim Lesen der Arbeit spüren kann, dass etwas Einzigartiges daran ist. Es ist etwas Besonderes daran, das entweder in der Schrift oder einfach in der Form der Sache zum Ausdruck kommt.
ich lese dein New-Yorker Interview, und es gab etwas, das Sie gesagt haben und über das ich immer wieder nachdenken kann: „Wie die Autorenstimme eines Karikaturisten eine Rohheit und Klarheit hat, die fast beunruhigend ist.“ Das klingt irgendwie nach dem, worüber wir reden.
Ich bin 42, und als ich als Teenager mit alternativen Comics zum Comic kam, kam es mir wie eine ganze Welt vor, aber in Wirklichkeit waren es ein halbes Dutzend Künstler, wie Julie Doucet und Chester Brown und Dan Clowes, Renee French. Es gibt ein paar, nicht viele, damals schien es viel zu sein, aber es waren wirklich nicht viele. Und man hatte das Gefühl, dass man, wenn man die Arbeit dieser Leute las, sie alle auf eine Weise sah, die man nicht einmal erkennen würde, wenn man sie traf. Man erkennt, dass die Art und Weise, wie sie zeichnen, etwas Besonderes ist, denn sie sind alle Autodidakten und machen Arbeiten, mit denen sie kein Geld verdienen, aber sie sind sehr leidenschaftlich dabei. Sie enthüllen unbeabsichtigt Dinge. Selbst wenn sie denken, dass sie aufschlussreich sind, ist es so, als wäre dir nicht klar, dass die Art und Weise, wie du diese Gesichter im Hintergrund zeichnest, mehr über dich und die Natur deiner Psyche aussagt als alles andere.
Ich denke, einer der lustigsten Teile dieser Geschichte ist der Schauplatz: ein düsteres Los Angeles von 1971. Was hat Sie daran gereizt?
Ich denke, weil ich nicht genug darüber weiß und mich darauf einlassen wollte, aber ich wollte nicht, dass es so aussieht Austin Powers. Comics sind insofern ein lustiges Medium, als es um Typen und visuelle Typen geht. Ein Hippie wäre also eine Schlaghose, ein Stirnband und eine John-Lennon-Brille, und man würde sagen: Das ist ein Hippie. Sie können sich dieses Klischee absolut zu eigen machen und auf Entdeckungsreise gehen. Sie könnten mit einem Stereotyp beginnen und dann tiefer in dieses vordringen.
Aber mit diesem Comic, weil ich nicht wirklich in diesem Modus gearbeitet habe. Ich dachte eher: Wie sieht ein Telefon aus? Warum sind die Namen der Menschen im Jahr 1971 anders? Die Benennung der Charaktere war wirklich wichtig. Es war so eine seltsame Sache. Es gab Unmengen von Dingen, die mir vertraut und doch anders vorkamen. Mir gefiel die Möglichkeit, diese Dinge einfach subtil zeigen zu können, während die Geschichte bewegt war.
Ich habe nie versucht, dem Leser zuzuzwinkern oder zu sagen, wie dumm die Leute damals waren. Und schauen Sie, wie viel weiter entwickelt wir jetzt sind. Oder auch die Kehrseite davon: Ich wollte auf keinen Fall, dass es in dieser Art nostalgisch und romantisch wird Boogie-Nächte oder Es war einmal in Hollywood Ding. Es ist kein Liebesbrief an die Zeit. Ich wollte so tief in die Welt eintauchen, dass der Leser es fast riechen konnte, nur die Düfte des Raumes.
Dieses Interview wurde aus Gründen der Klarheit bearbeitet und gekürzt.