Marokkanischer Modernismus in der Tate St. Ives – postkoloniale Abenteuer in der Abstraktion

Auf einem Foto des marokkanischen modernistischen Künstlers Mohamed Melehi aus dem Jahr 1969 wird eine Marktfrau in traditionellen Röcken, die einen schweren Sack auf dem Kopf trägt, von einer Reihe schillernd farbenfroher abstrakter Gemälde an den schlammroten Wänden des Hauptplatzes von Marrakesch aufgehalten , der Djemaa el Fna. Auf dieser improvisierten Freiluftgalerie gesellt sich zu ihr eine reckende Menschenmenge. Sie sind Zuschauer einer experimentellen Ausstellung, die nach der Unabhängigkeit im Jahr 1956 zu einem entscheidenden Moment in der marokkanischen Kunst wurde und heute als Meilenstein der Moderne im globalen Süden gilt.

Melehi, der 2020 im Alter von 83 Jahren an Covid starb, war eine führende Persönlichkeit unter den Avantgarde-Künstlern dahinter Plastische Präsenz, deren Ziel es war, die Kunst vom Salon auf die Straße zu verlagern. Weiter ging es an den weißgetünchten Mauern Casablancas an der Atlantikküste. Alle lehrten in den 1960er Jahren an der École des Beaux-Arts in Casablanca, die heute im Mittelpunkt einer wichtigen Ausstellung in der Tate St. Ives steht. Die atlantische Lage der Stadt und ihre Geschichte als Zentrum des britischen Modernismus scheinen für die erste Museumsausstellung dieser Konstellation marokkanischer Modernisten geeignet zu sein: Die Casablanca Art School: Plattformen und Muster für eine postkoloniale Avantgarde 1962-1987.

Drei unterschiedliche Künstler bilden den Kern des „Casablanca Trios“, und alle haben seit 2016 Werke von Tate erworben. Farid Belkahia, der junge Direktor der Casablanca-Schule zwischen 1962 und 1974, der 2014 starb, war Gegenstand einer Retrospektive im Centre Pompidou in Paris im Jahr 2021. Er war Student in Paris und Prag, und zu seinen frühen Ölgemälden gehört das düstere „Tortures“ (1961-62), dessen Figur quälend kopfüber an Fesseln hängt und ihre Empörung über die Franzosen zum Ausdruck bringt hartes Vorgehen gegen das Streben des benachbarten Algerien nach Unabhängigkeit.

Während Melehi Belkahias politische Sympathien teilte, verkünden seine gegensätzlichen frühen Experimente in der Abstraktion den berauschenden Einfluss New Yorks, wo er nach Kunststudien in Spanien und Italien ein Rockefeller-Stipendium erhielt. Die Acryl-Leinwand „Minneapolis“ (1963), deren schwarze und rote Zonen durch einen gelben Streifen getrennt sind, war eine Hommage an Barnett Newmans Farbfeldmalerei, bevor seine eigene Signatur, das vielgestaltige Wellenmuster, entstand. Melehis unvergessliche Soloshow Neue Wellen, in den Londoner Mosaikräumen im Jahr 2019 wurde vom gleichen Kuratorenteam, Morad Montazami und Madeleine de Colnet, durchgeführt, hier in Zusammenarbeit mit der Tate St. Ives.

Die dritte Figur des Casa Trios war Mohamed Chabâa, der in Rom studierte und 2013 starb. Sein unbetiteltes Acrylbild von 1965, ein stilisiertes Profil in Rot, Schwarz und Orange, signalisiert das grafische Flair, das Chabâa 1972 wegen seiner Arbeit in Souffles inhaftieren ließ, eine vierteljährlich erscheinende Zeitschrift über Kunst und Revolution wurde in diesem Jahr verboten.

Herausragende Werke des Trios sind während der gesamten Ausstellung zu sehen, darunter Stücke von rund 20 anderen Künstlern. Belkahia verzichtete auf Öle, um mit lokalen Materialien zu experimentieren: natürliche Pigmente auf Lederhaut in „Palaver Tree“ (1989) oder Metall als halbabstraktes Basrelief im surrealen „Battle“ (1964–65), einem „Guernica“ in Hammerschlag Kupfer. Melehis pulsierende Wellen und Flammen in psychedelischen oder Erdfarben reichen vom lyrischen Zellulosegemälde „Volcanic“ (1985) mit seinem geschmolzenen Gipfel und dem zunehmenden Mond bis zum wellenförmigen, 36 Fuß hohen „Charamusca Africana“-Denkmal, das 1968 für Mexiko geschaffen wurde Olympiade (hier im Schnappschuss zu sehen). Chabâas komplexe geometrische Abstraktionen umfassen lebendige Acrylfarben und Skulpturen aus Holz oder Kupfer.

Doch anstatt die Werdegänge der Hauptkünstler nachzuzeichnen, werden ihre Arbeiten, was für ein neues Publikum vielleicht verwirrend ist, durch „Plattformen“ getrennt, je nachdem, wo sie gezeigt wurden.

Das Trio schloss sich erstmals 1966 bei einer gemeinsamen Ausstellung in Rabat zusammen. Ihre Werke standen nicht zum Verkauf, sagte mir Melehi 2019 in einem Interview, „um den Schülern zu zeigen, dass Kunst eine Botschaft, eine Idee ist, nicht ….“ . . ein Luxusmöbelstück [but] ein Signal für die Freiheit“. Diese erste Künstlergeneration, die im Ausland studierte, übernahm die Leitung einer Schule, die unter dem französischen Protektorat gegründet wurde und immer noch orientalistische Figuration lehrt. Sie gab die akademische Staffeleimalerei zugunsten transnationaler Abstraktion, Fotografie und Exkursionen in das Atlasgebirge auf und suchte auf der Suche nach ihrer einzigartigen Sichtweise in der Vergangenheit zum Thema Moderne. „Abstraktion ist in Marokko kein Fremdwort“, sagte mir Melehi. „Es ist der wahre Ausdruck Nordafrikas.“

Ein Abschnitt zum „Afro-Berber-Erbe“ zeigt, wie mediterrane, südlich der Sahara gelegene, arabische und amazighische (berberische) Ornamente abstrakte Muster inspirierten, die immer wiederkehren, von Postern und Buchumschlägen bis hin zu Hoteldekorationen, Medina-Wandgemälden und Keramik (Abderrahman Rahoules Tontöpfe sind selten). Überlebende aus den 1960er Jahren). Motive von Amazigh-Schmuck und bemalten Decken – zu sehen auf Fotografien von Melehi, ausgestellt neben einem Berber-Teppich – hallen durch die Ausstellung.

Zu den weiteren wichtigen abstrakten Künstlern gehörten Mohamed Ataallah, der in Rom studierte und 2014 starb und zu dessen Gemälden das Diptychon „Multiple Marrakech/Multiple Flame“ (1969) gehört, und Mohamed Hamidi (geb. 1941), der aus Paris zurückkehrte und überlappende Blöcke bevorzugte von üppiger Farbe. Malika Agueznay, bekannt als Marokkos erste Modernistin, malte biomorphe Formen, die kalligraphischen Algen ähnelten. Sie war Melehis Schülerin, als sie 1968 das marineblaue auf meergrünem Acrylrelief der Ausstellung anfertigte.

Zu den kosmopolitischen Dozenten der Casa Group gehörten der niederländische Anthropologe Bert Flint – der den Begriff „Afro-Berber“ prägte – und die italienische Kunsthistorikerin Toni Maraini (Melehis damalige Frau). Ein Vorreiter war der 1967 jung verstorbene Ahmed Cherkaoui. Seine gestischen Tuschezeichnungen, inspiriert von Amazigh-Talismanen, werten Handwerkskunst auf, die in der Kolonialzeit als dekorativ abgetan wurde. Die Sicht des Bauhauses auf den Künstler als „erhabenen Handwerker“ führte zu fantastischen Kooperationen mit Architekten. Spektakuläre Wandreliefs und Decken, die in Showreels zu sehen sind, reichen vom Hôtel les Roses du Dadès im Hohen Atlas bis zum Casablanca Tri Postal.

Doch wenn man sich eher auf die Schule als auf die Künstler konzentriert, die sie einzigartig gemacht haben, bleibt viel im Dunkeln. Ein Akzent auf Antikolonialismus und marokkanische Wurzeln verdeckt den Input von Action Painting, Jazz, Kybernetik, japanischer Zen-Philosophie und Sufismus, die sich im Fall von Melehi „wie Ratatouille“ in pulsierenden rhythmischen Farbausbrüchen vereinen: all das Einflüsse brachten Marokkos transatlantischen Modernismus hervor.

Allgemeine Abschnittsüberschriften wie „Gemeinsam schaffen“, „Kunst öffentlich machen“ oder „Panarabische Solidarität“ tragen wenig dazu bei, diesen erstaunlichen Synkretismus zu beleuchten. Die Show vermittelt auch keinen großen Eindruck davon, warum die Gruppierung aufgrund unterschiedlicher politischer Taktiken während der autokratischen Herrschaft von König Hassan II. in den 1970er und 1980er Jahren, den „Jahren des Bleis“, zusammenbrach.

Ein bleibendes Erbe ist das Asilah Arts Festival, das Melehi 1978 in seiner Heimatstadt am Meer mitbegründete, wo internationale Wandmaler mit Marokkanern wie Chaïbia Talal, einem Autodidakten, zusammenarbeiten. Ihr lebendiges Ölgemälde „The Marriage Ceremony“ (1983) bildet den Abschluss einer Ausstellung, die gleichermaßen faszinierend und frustrierend ist. Faszinierende Showreels, die größtenteils aus Melehis erstaunlicher Fotografie entstanden sind, gehören zu seinen Freuden und weisen auf alternative Möglichkeiten hin, diese bedeutsame Geschichte zu erzählen.

Bis zum 14. Januar tate.org.uk

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