Es ist ein Donnerstagnachmittag bei Dudley’s in der Lower East Side und Steve Aoki hat nur noch wenig REM-Schlaf.
Der Beweis sind die Zahlen, die er mir auf seiner Apple Watch, Whoop und Oura Ring zeigt, nicht erkennbare Statistiken, die seine Schlafmuster, seine Schritte, seine Herzfrequenz verfolgen. Dies ist die Art von winzigem Wellness-Detail, auf das Sie achten sollten, wenn Sie der Guinness-Weltrekordhalter von 2012 für den meistgereisten Musiker in einem einzigen Jahr sind und 168 Shows in 41 Ländern spielen. (Er hält auch die Rekorde für den größten Schrei einer Menschenmenge sowie für die meisten Menschen, die gleichzeitig einen Knicklichter anzünden.)
In den letzten zehn Jahren hat sich nicht viel geändert. Aoki schätzt, dass er jedes Jahr noch etwa 200 Nächte unterwegs ist. Diese Art des Reisens ist nicht einfach für den Körper – und mit 45 ist er nicht mehr die Person, die er war, als er 2008 zum ersten Mal auf Tour ging. Bestimmte Lebensanpassungen mussten vorgenommen werden. Aoki hat vor langer Zeit mit dem Trinken und den Drogen aufgehört. Er hat gelernt, aufrecht sitzend zu schlafen. Und man kann mit Sicherheit sagen, dass er die Blechkuchen, die er routinemäßig in die Menge wirft, nicht isst.
„Es ist so ein Luxus, horizontal zu schlafen. Du merkst es erst, wenn du immer auf Stühlen schläfst“, erzählt er mir, während er an einem Espresso an der Theke des gesundheitsbewussten australischen Restaurants nippt, in das er vor Jahren investiert hat. (Das Restaurant-Unternehmertum ist so etwas wie ein Vermächtnis von Aoki, dessen Vater, Rocky Aoki, ein ehemaliger Profi-Wrestler, Benihana gründete.) „Mein Rücken tut gerade weh. Mein unterer Rücken, ich glaube, er wird kaputt gehen.“ Es ist nicht allzu überraschend, dass Aokis Rücken schmerzt, buchstäblich und im übertragenen Sinne; Auf Aokis schmerzenden Schultern zu ruhen ist eine Position in der Kultur, die kein anderer Musiker innehat. Jetzt, nach fast drei Jahrzehnten im Geschäft, sitzt er im Zentrum des Venn-Diagramms sich duellierender Subkulturen der Spätschicht: EDM und Indie-Sleaze, und erfüllt die doppelte Pflicht als Pate von beiden.
Es ist diese Art von Bandbreite, die bei Freunden und Fremden gleichermaßen Aufregung auslöst, wenn ich mein bevorstehendes Interviewthema erwähne – aber es ist schwer, jemanden zu finden, der fünf seiner Songs auf seinen 13 Alben und 239 Singles (nur auf Spotify) nennen kann. Aber diese Tatsache ist eigentlich ein Zeichen für Aokis Talent. Er ist ein DJ, dessen Währung elektronische Tanzmusik ist; Das Schöne ist, dass Beats miteinander verschmelzen, Remixe zerhackt und vermasselt werden. Vielleicht erinnerst du dich nicht an das Lied, aber du erinnerst dich daran, wie du dich dabei gefühlt hast.
Das, und Aokis Diskographie ist bodenlos – er hat sich mit allen zusammengetan, von Kid Cudi bis Backstreet Boys, Zooey Deschanel bis JJ Abrams bis zum Bürgermeister von Los Angeles, Eric Garcetti. Er hat mit Fall Out Boy, BTS, Daddy Yankee, MGMT, Blink-182 und Iggy Azalea zusammengearbeitet, um nur an der Oberfläche zu kratzen. Am 7. April veröffentlichte er „Older“, eine Single mit Dixie D’Amelio und Jimmie Allen. Er ist die unsichtbare Hand, die Elemente der Kultur zusammenführt, um sie zu neuen zu verschmelzen. Seine Arbeit ist wie Sauerstoff; Sie können es vielleicht nicht sehen, aber wenn es weg wäre, würden Sie es sicherlich bemerken.
„Es gibt keine Sprachbarrieren“, sagt Aoki über seine Musik. „[There’s] eine Melodie, eine großartige Melodie und ein hämmernder Kick, der dich einfach antreibt. Es ist mir egal, wie alt du bist, das wirst du spüren. Und es wird einfach nie alt. Ich denke, das ist das Schöne, dass ich auch um die Welt touren konnte. Meine Musik übersetzt in jede Sprache, jede Kultur. Es hat mir ermöglicht, ein globaler Künstler zu sein, was mir die Türen geöffnet hat, mit dieser endlosen Geschwindigkeit zu touren. Deshalb mache ich immer noch 200 Shows.“
Aoki ist vielleicht am bekanntesten für die Erstellung von Dim Mak Tuesdays im Cinespace in Los Angeles, das von den aughts bis Anfang der 2010er Jahre lief. Auf dieser Party wurde Mark Hunter, auch bekannt als Cobrasnake, berühmt dafür, dass er blitzschnelle Fotos von jungen Leuten online stellte; wo Künstler wie Lady Gaga, Kesha, MIA und Thomas Bangalter von Daft Punk (ohne Maske) Aoki anriefen und um einen Auftritt baten. Aokis Dim Mak Records produzierten auch Künstler wie Bloc Party und Pretty Girls Make Graves.
„Ich erinnere mich, als Lady Gaga zum ersten Mal in LA auftrat, hat mich ihr Management ständig angemacht, um sie auftreten zu lassen, und sie tat es umsonst“, sagt er. „Du siehst es im Moment nicht. In dem Moment denkst du: ‚Oh, da kommt eine neue Künstlerin durch: Lady Gaga. Das ist wirklich toll.‘ Aber du denkst nicht: ‚Beeinflussen wir tatsächlich die Kultur?‘ Natürlich wollen wir. Ob es sich um Wolfmother oder Kid Cudi handelt, Skrillex oder die ersten Shows von LMFAO, was auch immer es ist. MIA. Das war unsere Welt.“
All dies führte zu dem, was heute Aokis Brot und Butter ist: die Rave-EDM-Welle nach den 90ern, eine hedonistische, pyrotechnische Party nach der Rezession, die von allem geprägt war, von aufblasbaren Poolspielzeugen und Magnum-Flaschen Sekt bis hin zum Bemalen von Körpern in die Menge geworfen – zusammen mit natürlich Aokis berühmten Blechkuchen, die er im Mai 2011 auf die Leute zu werfen begann, nachdem das Musikvideo zu Autoerotiques Song „Turn up the Volume“ (das auf Dim Mak Records veröffentlicht wurde) viral wurde Videos von Kuchen, die Menschen nach dem Ausblasen von Kerzen ins Gesicht explodieren. Aoki dachte, er könnte den Moment in seiner Live-Show nachstellen, also ließ er einen Bäcker einen Kuchen backen, auf dem „Turn Up the Volume Autoerotique“ in roter Schreibschrift stand, und warf den ersten Kuchen auf einen betrunkenen Typen, der Geburtstag hatte. Alle flippten aus. „Ich dachte: ‚Yo, das ist ein Moment'“ sagte er zu Etalk in einem Interview im letzten Monat.
EDM genießt man am besten nicht über Kopfhörer, sondern mit anderen Leuten – was Aokis unerschütterliche Besessenheit erklärt, mit einer Frequenz zu touren, die so hoch ist wie EDM selbst, eine endlose Party mit Musik ohne Sprachbarriere. durch die universelle Anziehungskraft eines pochenden Tritts und eines Beat-Drops in Songs wie Aokis Remix von Kid Cudis „Pursuit of Happiness“, „Rage the Night Away“ mit Waka Flocka oder „Boneless“ mit Chris Lakeand und Tujamo.
Aber dennoch. Wird es jemals alt?
„Die Shows vermasseln einfach alles. Es gibt immer ein paar Fans, die ihre Gefühle und ihre Emotionen extrem zeigen, während ich ihren Lieblingssong spiele. Ich werde die Hits niemals nicht spielen, weil ich weiß, dass einige dieser Songs einen solchen Moment für sie haben, und ich möchte das mit ihnen fühlen. Ich darf dabei sein, damit sie das erleben können“, sagt er. „Ich liebe es verdammt noch mal. Aber so obsessiv Aoki auch ist, er ist auch expansiv. Der Handschlag zwischen EDM und Indie-Sleaze wird wahrscheinlich am besten in dem Song von Steve Aoki für die meisten Menschen veranschaulicht dürfen Name: „Pursuit of Happiness“, der Remix von Kid Cudi aus dem Jahr 2009 mit MGMT und Ratatat, der vor allem für den Trailer von verwendet wurde Projekt X.
Denn für all die Kuchen, die Aoki wirft, war er auch an der Spitze des Indie-Sleaze, in vielen Kreisen eher bekannter nicht für seine Nähe zu jemandem wie Avicii, sondern zu The Kills. Der Indie-Sleaze erlebte im vergangenen Jahr ein Wiederaufleben – von der Rückkehr der Cobrasnake, die Fotos von der Elektroclash-Szene in der Innenstadt von New York City machte, über die Tatsache, dass Netzstrümpfe zurück sind, bis hin zum Instagram-Account @indiesleaze, Punkt. Aoki ist sich glücklicherweise nicht bewusst. „Wer ist Indie-Sleaze?“ fragt Aoki, nicht existentiell und voll ernst. „Weißt du, wer es ist?“
Als Aoki in seiner Getreideschale wühlt, erkläre ich ihm und frage ihn, was er von all dem hält.
„Ich würde sagen, dass Kultur nicht repliziert werden kann, weil eines der wichtigsten Dinge, die damals passiert sind, nie wieder passieren wird. Und das heißt, es gab keine sozialen Medien“, sagt er. „Für all diese verschiedenen großen Knotenpunkte, diese Städte, hatten sie immer eine Möglichkeit, es zu dokumentieren. Jeder sagt: ‚F*ck, ich muss da sein.‘ Die Leute kommen nach LA, fliegen einfach ein, nur um zu dieser kleinen Dim-Mak-Party zu kommen… Die Leute machen das nicht mehr so oft, weil man es überall sieht. Social Media macht alles verfügbar, jederzeit für alle zugänglich.“
Es ist einfacher für die Leute, jetzt schuppiger zu sein, etwas zu erleben, nur indem sie sich die Instagram-Geschichten ihrer Freunde ansehen. Aber Aoki veranstaltete jahrelang jeden Dienstag Dim-Mak-Partys, bevor es sich durchsetzte.
„Es war nicht wie ein Ton“, sagt er. „Aber ein Konzept, Teile aller Kultur zu zerbrechen; Hip-Hop, Pop, Elektro, Indie. Das haben wir getan.“
Stunden später heißt Aoki ein ausverkauftes Publikum in seiner Welt im Terminal 5 willkommen.
„Steve Aoki wird sein Kuchen von der Bühne ins Publikum werfen. Wenn Sie nicht mit einem Kuchen getroffen werden möchten, halten Sie sich vom Boden fern“, heißt es auf einem Schild an der Tür zum Veranstaltungsort.
Um ein Uhr morgens steht Aoki am DJ-Pult, ohne Hemd, muskulös, die Arme ausgestreckt wie ein gewisser berühmter Messias. Mein Freund und ich tranken etwas Red Bull und Wodka; „Pursuit of Happiness“ beginnt zu spielen und plötzlich habe ich eine Rückblende, wie ich die Stufen einer Kellerbruderschaft hinuntersteige. Der Beat sinkt und es ist unmöglich, etwas nicht zu fühlen; unsere inneren 19-Jährigen werden durch pulsierende Schläge und Zusammenstöße geheilt. Er hält mehrere Costco-Blechkuchen in der Größe kleiner Terrier mit der Aufschrift „Dim Mak“ in die Hand und reicht sie einer Menschenmenge, die den Verstand verliert. Jemand hält ein Schild mit der Aufschrift „CAKE US“.
Dreißig Minuten später stolpern Menschen mit Zuckerguss bedeckt und strahlend aus dem Veranstaltungsort. Ein Mann ist auf Krücken. Ich denke darüber nach, was Aoki mir früher an diesem Tag erzählt hat, darüber, wie wichtig es für ihn ist, die Reaktionen seiner Fans auf seine Musik zu sehen, aus nächster Nähe zu sehen, wie viel sie ihnen bedeutet.
„Man muss ständig diese Magie in dem finden, was man tut, das ist der aufregende Teil von allem“, sagt Aoki. „Als Künstler möchte man innovativ sein und weiterhin großartige Songs schreiben, die der Soundtrack des Lebens der Menschen sein werden.“
Heute Abend war Terminal 5 ein Sonnensystem, das um Aokis Sonne kreist. Bald könnte diese Anziehungskraft umso stärker sein. Vor einigen Jahren bewarb sich Aoki zusammen mit hundert Millionen anderen Menschen um eine Reise ins All, die vom japanischen Milliardär Yusaku Maezawa veranstaltet wurde. Jetzt werden er und sieben andere Künstler in den Weltraum fliegen, wo er seine Kopfhörer und seinen Computer mitbringt, damit er etwas tun kann, was er noch nicht getan hat: Musik in einer anderen Stratosphäre machen.
„Soweit ich weiß, hat noch nie ein Musiker im Weltraum Musik gemacht“, sagt Aoki. „Ich meine, ich habe mich schon als Kind darüber gefreut, in den Weltraum zu fliegen, seit ich wahrscheinlich 8 oder 9 Jahre alt war. Ich wollte immer im Weltraum sein. Ich wollte immer Astronaut werden. Es ist also ziemlich wild, dass die Einladung echt ist.“
Und warum nicht? Er war überall sonst.
Fotografien von Kai Tsehay.