Die kosmischen Erben von Hilma af Klint

Im Jahr 1906 wurde die schwedische Künstlerin und Mystikerin Hilma af Klint wegen eines großen und ehrgeizigen Projekts „kontaktiert“. Af Klint war Teil einer kleinen okkulten Gruppe, die Séancen durchführte und mit spirituellen Wesen kommunizierte Die Gemälde für den Tempel wurde von einem der Geistführer des Künstlers „zugewiesen“. Bis zu seiner Fertigstellung im Jahr 1915 umfasste es insgesamt 193 Werke. „Die Bilder wurden direkt von mir gemalt, ohne Vorzeichnungen und mit großer Kraft“, sagte Af Klint über eine Serie. Farbenfroh, geometrisch und symbolistisch waren ihre jenseitigen abstrakten Kompositionen äußerst radikal.

Nach Abschluss des Projekts malte Af Klint weiter, ihre Arbeit von 1917 bis zu ihrem Tod im Jahr 1944 wurde jedoch nicht mehr von Geistern geleitet. 1932 verfügte sie, dass viele ihrer Gemälde und Zeichnungen nach ihrem Tod 20 Jahre lang geheim gehalten werden sollten. Schon damals wurde ihr Werk von der Kunstwelt nur langsam gewürdigt. 1970 lehnte ein führendes Museum für moderne Kunst in Schweden den Nachlass von Af Klint ab. Erst im 21. Jahrhundert begann ihre Arbeit Anklang zu finden.

Nach einer profilbildenden Ausstellung in Schweden im Jahr 2013 eröffnete das New Yorker Guggenheim Museum 2018 eine Af-Klint-Retrospektive, und die Aufregung um die geheimnisvolle Künstlerin und ihre radikalen, spirituellen Gemälde erreichte ihren Höhepunkt. Der Grund? „Sie stellte alles auf den Kopf, was wir über die Geschichte der Abstraktion dachten“, sagt Nabila Abdel Nabi, Kuratorin für internationale Kunst bei der Tate Modern.

Heute wächst die Faszination für Af Klint weiter, angeheizt durch eine Flut neuer Bücher und den aktuellen Blockbuster Ausstellung in der Tate Modern bis 3. September. Mittlerweile ist der Einfluss ihrer lyrischen Abstraktion und der Geschichte von Mystik und Medialität dahinter bei einer Konstellation heute tätiger Künstler spürbar.

Am Anfang träumte ich von der Farbe Orange

„Mich fasziniert besonders die Art und Weise, wie es ihr gelungen ist, Figuration, Abstraktion und schematische Organisation auf derselben Leinwand zu integrieren“, sagt die in Los Angeles lebende Künstlerin Molly Greene, deren surreale Konfigurationen sorgfältig gemalt sind und einen pastellfarbenen, kristallfarbenen Glanz ausstrahlen. „Af Klint hat mich darin bestärkt, symmetrische Bilder zu machen“, fügt der New Yorker hinzu Loie Hollowell, deren pulsierende Abstracts heiß begehrt sind (Auktionspreise liegen bei über 1 Mio. US-Dollar). „Ich mag auch die Beziehung ihrer Arbeit zum Körper sehr, die Art und Weise, wie die großen Werke einen umfassen und einen anziehen.“ Auch Hollowells körperbasierte Werke sind autobiografisch. „Während meiner ersten Schwangerschaft begann ich, Bilder mit großen Halbkreisen zu malen; Ich habe sie in geometrischen Layouts komponiert und dabei an Brüste, Bauch, Kopf und Po gedacht“, sagt sie. Die bemalte Oberfläche ist außerdem mit Schaumstoff überzogen, wodurch ein 3D-Element entsteht, das sie kürzlich weiter ausgebaut hat, indem sie „den tatsächlichen physischen Abdruck des schwangeren Bauches in die Arbeit einbrachte“.

Hollowell bezeichnet sich selbst oder ihre Arbeit nicht als „spirituell“. Auch mein New-Yorker-Kollege nicht Angela Heisch, dessen dynamisches abstraktes Werk kürzlich in der Pippy Houldsworth Gallery in London ausgestellt wurde (die Ausstellung war bereits vor der Eröffnung ausverkauft, die Hälfte der Werke ging an Institutionen). Der in Neuseeland geborene Maler erwähnt jedoch „Vibrationskraft“ als gemeinsames Thema in diesen neuesten Werken, die den Betrachter in zentrale Kugelformen ziehen, die an Perlen oder Planeten erinnern. Sie gibt auch zu, dass sie sich für „die unbekannte Komponente, die uns alle verbindet – den Versuch, Gefühle und Emotionen zu vermitteln“ interessiert.

In ihrem Buch Die andere Seite: Eine Reise in Frauen, Kunst und die GeisterweltJennifer Higgie schreibt, dass für Af Klint „die Luft von unsichtbaren Energien pulsierte“. „Die Frage war, wie man sie interpretiert? Wie gibt man ihnen Form?“ Für Künstler wird die Natur dieser „Energien“ heute unterschiedlich interpretiert. „Ich habe das Gefühl, dass ich etwas kanalisiere“, sagt der in Kasachstan geborene Künstler Aigana Gali, deren jüngste Ausstellung in der Londoner Galerie von Kristin Hjellegjerde lichtdurchflutete Leinwände mit mystischen, organischen Symbolen und Spektren zeigte, die ihrer Meinung nach mit Träumen begannen: „Ich würde eine Farbe werden.“ Ich habe keine Erklärung dafür. Aber am Anfang hätte ich von der Farbe Orange geträumt.“

Chilenischer Künstler Johanna Unzueta Sie sieht Af Klint als einen von mehreren Künstlern, die „Geometrie und Abstraktion als Mittel verstanden haben, sich mit etwas Metaphysischem zu verbinden“, sagt sie. Unzuetas Aquarell- und Pastellmuster streben danach, die gleiche Verbindung herzustellen; Sie sind mit Nadellöchern durchsetzt und werden oft als freistehende Formen präsentiert, die Licht durchscheinen lassen. Künstler aus Los Angeles Eamon Ore-Giron stimmt zu. Seine geometrischen Konstellationen sind von „einer in Amerika geborenen Abstraktion“ inspiriert, aber er empfindet auch eine „sympathisch Beziehung zu [af Klint’s] Ansatz – nicht nur als formalistische Übungen, sondern als Mittel, um persönliche philosophische Ideen auszudrücken.“

Aber das Geistige und das Selbst sind es nicht getrennte Kräfte im Kopf des französischen, belgisch-kongolesischen Künstlers Tiffanie Delune: „Was meine Praxis leitet, ist etwas, das bereits in mir steckt“, sagt sie. „Es ist schwer zu erklären, aber vielleicht ist es eine Mischung aus deinen Vorfahren, deiner Seele und all deinen anderen Einflüssen und Reisen.“ Ihr neuestes Werk entstand in Accra und wurde 1957 in der Galerie der Stadt gezeigt, wobei Blumenmotive im Vordergrund einer ultrahellen Palette stehen.

„Was in Af Klints Werk heute wirklich zum Ausdruck kommt, ist die Vernetzung der Dinge“, schließt Abdel Nabi. „Die ökologische Perspektive, die ihre Arbeit strukturiert und Fragen zu den sehr fragilen und heiklen Beziehungen stellt, die unser Universum ausmachen, ist uns noch nie so bewusst gewesen. Sie betrachtete ihre Arbeit als etwas für zukünftige Generationen – und ich denke, dass wir diese Generation sind.“

Hilma af Klint & Piet Mondrian: Lebensformen ist bis zum 3. September in der Tate Modern