Am Morgen von FLOs allererster, ausverkaufter Show in New York City begannen die Fans vor Mittag, sich vor der Webster Hall anzustellen. Als die Mädchen später an diesem Abend die Bühne betraten, war das Publikum hingerissen und tanzte und sang zu jedem Wort mit der gleichen Leidenschaft, die die Fans bei weltweiten Arena-Tourneen an den Tag legten. Die Begeisterung der britischen R&B-Girlgroup hatte erfolgreich ihren Weg über den großen Teich gefunden.
Als FLO 2022 mit ihrer Debütsingle „Cardboard Box“ auf der Bühne auftauchten, einem selbstbewussten, seidigen Rückblick auf das Abbrechen einer schlechten Beziehung, drehte das Internet durch. Es gab Vergleiche mit anderen dreiköpfigen Acts, die in der Vergangenheit die Kultur verändert hatten, es wurde darüber gesprochen, dass sie das neue Kommen von Destiny’s Child oder TLC seien. Die Mädchen hatten die Ästhetik im Griff, glänzende Gesangsharmonien und das Charisma, um alles zusammenzubringen. Seitdem war es alles andere als eine ausgewachsene FLO-Übernahme; Allein in diesem Jahr gewann die Gruppe BBC Sound Of…, den Rising Star Award bei den BRIT Awards und Best Push bei den MTV Europe Music Awards.
FLOs Popularitätsschub und Kritikerlob inspirierten ihre Kreativdirektorin Amy Bowerman – die mit großen Acts wie BLACKPINK und Dua Lipa zusammengearbeitet hat – als sie ihre Debüttournee konzipierte. Was wäre, wenn FLO wirklich tat übernehmen, und was wäre, wenn wir jede Sekunde davon lieben würden? Unter Bowermans kreativem Auge drehte sich die Live-Show von FLO um FLO TV, eine Kanal-Hopping-Reise durch das Piraten-TV-Programm von FLO. „Für mich fühlte es sich so an, als würdest du dich hinsetzen, um deinen Fernseher einzuschalten, und jedes Mal, wenn du durch den Kanal blätterst, übernehmen sie einfach“, erklärt sie NYLON aus London. „Aber es ist eine große Feier dieser FLO-Übernahme.“
Im Vorfeld spricht Bowerman mit FLO über ihre kreative Dynamik, die die Inspiration der 90er mit zeitgenössischem Stil in Einklang bringt und die Energie von Stadiontouren an intime Veranstaltungsorte bringt.
Wie kam es zur Zusammenarbeit mit FLO? Wie sind Sie und die Mädchen miteinander in Kontakt gekommen?
Ich habe schon oft mit Island gearbeitet, bei dem sie unter Vertrag stehen. Sie haben eine wirklich großartige Gruppe interner Kreativer, mit denen ich zusammengearbeitet habe, und ich war schon früh mit ihrem Management verbunden. Ich glaube, wir haben uns Anfang letzten Jahres unterhalten, und sie hatten einen Auftritt von Jimmy Kimmel. Ich war zu der Zeit tatsächlich in Korea in einem anderen Job und musste alles aus der Ferne erledigen. Ich habe das beaufsichtigt, und als sie dann anfingen, diese Runde zu touren – ihre ersten Shows, die sie überhaupt gemacht haben –, sobald sie anfingen, dies zu planen, kam ich herein und setzte mich mit den Mädchen zusammen, sprach mit ihnen darüber, was sie tun wollten, und das dann mit ihnen zum Leben erweckt.
Wie sind Sie auf das Konzept für dieses FLO-TV-Bild gekommen, das wir während der Show sehen? Hatten Sie dahinter irgendwelche Inspirationen?
Ich denke, dass die Mädchen eine große Verbindung und Präsenz zu ihrem Publikum haben. Als wir die Songs durchgingen, gab es so eine andere Dynamik. Jedes Mal, wenn sie Dinge erklärten, war es so: „Oh, das ist eine andere Geschichte, und dies ist eine andere Geschichte.“ Und es ist wie, wie bringt man etwas für jeden von ihnen zusammen, besonders wenn sie drei Mitglieder sind? Offensichtlich gibt es darin unterschiedliche Geschichten für jede Person. Ich saß da und dachte: „Okay, ich bin von diesem Meeting weggegangen und habe alles gehört, was sie in all das hineingesteckt haben, und es gibt so viele Informationen hier. Es gibt so viele verschiedene Möglichkeiten, dies zu präsentieren.“
Und vor allem Dinge, wie wir bei „Summertime“ sehen, die ihren eigenen kleinen Mikrokosmos haben, und besonders „Feature Me“ und „Fly Girl“. Die einzige Möglichkeit, dies zusammenzubringen, besteht darin, diese extremen Flips durch ihre Welt zu haben. Dies ist eine Art Crashkurs durch die FLO-Welt; Ich denke auch für Künstler als Gruppe und ihre Kindheit, sie haben bereits diese reiche Geschichte ihrer Erfahrungen, was sie in die Welt setzen wollen, wie sie ihre Geschichte erzählen wollen. Es war so aufregend, als ich mit ihnen sprach, und es gab einfach so viel zu tun. Das TV-Konzept war wirklich ein einfacher Weg, um in so kurzer Zeit diese großen Flips zu haben, die das Publikum mit uns in all diese verschiedenen Dimensionen bringen konnten.
Ich habe kürzlich zugesehen eine Dokumentation über Nam June Paik und das klingt wie einer seiner frühesten Träume: ein Fernseher, bei dem jeder Kanal ein anderer Künstler war. FLO TV auf der Bühne zu sehen, fühlte sich an, als hätte es diese Essenz in gewisser Weise eingefangen.
Die ganze Sache, an die ich dachte, ist, dass, ähnlich wie bei ihrer Flugbahn, wo sich im vergangenen Jahr jeder einzelne neue Künstler oder alles, was sich ausschließlich um FLO drehte, die große Gruppe war und es ist, als wäre überall FLO. Für mich fühlte es sich so an, als würdest du dich hinsetzen, um deinen Fernseher einzuschalten, und jedes Mal, wenn du durch jeden Kanal blätterst, würden sie einfach übernehmen? Aber es ist eine große Feier dieser FLO-Übernahme. Und so habe ich das Wechseln des Kanals wahrgenommen, denn wenn man sich im Moment überall umsieht, war der Brits Rising Star FLO, sie waren auf der BBC Sounds-Liste und so weiter. Es scheint also, als wäre dieses Jahr eine FLO-Übernahme gewesen.
Zu sehen, welche Energie sie in New York bekommen haben, war auch etwas ganz Besonderes. Mir hat die Grafik von FLO TV ziemlich gut gefallen. Sie fühlten sich nostalgisch, ohne süßlich zu sein. Wollten Sie damit eine bestimmte Ära heraufbeschwören?
Ich habe einige Designer, mit denen ich sehr eng zusammenarbeite, und der Grund dafür ist, dass ich festgestellt habe, dass es bei diesem einen sehr schmalen Grat gibt – besonders mit dem eindrucksvollen Sound, den sie haben, und den Vergleichen, die die Leute zwischen der Gruppe gemacht haben und andere Gruppen verschiedener Epochen. Wir waren uns alle sehr bewusst, dass es nicht wie ein riesiger Rückfall aussah, dass wir nicht einfach mit einem sehr ungezogenen 90er-Jahre-Look in die Enge trieben. Ich denke, dass diese TV-Übernahme auf der gleichen Ebene immer noch eine VHS-Textur haben musste. Es musste noch ein Korn dran sein. Ich habe darüber nachgedacht, wie ich das mit jedem anderen Künstler machen würde und wie eine VHS-Textur in jeder Welt sitzt. Ich denke, dass jeder denkt, dass das cool aussieht.
Ich sagte: „Okay, ich kann eine gewisse Menge tun, aber solange wir nicht zu weit gehen.“ Wir haben viel Zeit damit verbracht, auf die Computer zu starren und zu fragen: „Ist das zu viel, oder können wir das noch ein bisschen weiterführen, ohne dass es zu aufdringlich ist?“ Ich bin wirklich froh, dass es nicht so kitschig rübergekommen ist, denn es muss eben auch aktuell bleiben. Ich denke, wenn du mit den Mädchen sprichst, sie sind super jung, sie geben mir das Gefühl, uralt zu sein. Alles, worauf sie stehen, ist super cool, super aktuell.
Jeder liebt einen Rückblick; Die 90er sind durchgekommen, die 00er sind auch wieder durch die Mode gekommen. Wie schaffst du das, zurück zu horchen, aber auch nach vorne zu drängen? Sie in der Position zu halten, dass es eine Erweiterung von ihnen ist, weil sie jung und sehr aktuell sind und alles, was sie sind, sehr stark auf der Nase dessen ist, was cool ist und was gerade hier ist. Inhaltlich entscheide ich mich oft dafür, nicht so viel Darstellung des tatsächlichen Bildes des Künstlers zu verwenden, aber ich denke, dass es auch diesem neuen Publikum hilft, das Bild dort zu haben. Obwohl ich total geschockt war, dass es da draußen Mega-Fans gibt, also haben wir es vielleicht nicht so sehr gebraucht, aber auch eine Darstellung des Künstlers innerhalb des Konzepts zu sehen.
Sie haben an diesen Mega-Touren gearbeitet. BLACKPINK ist derzeit einer der größten Acts, Dua Lipa hat während des Lockdowns übernommen. Abgesehen vom offensichtlichen Budget, was sind aus kreativer Sicht einige der größten Unterschiede zwischen der Tourgröße?
Ehrlich gesagt, der nächstgrößte Unterschied ist Platz und Größe, denn ich denke, die Ansprüche bleiben gleich. Es ist wie: „Was können wir tun? Was können wir tun, um das, was wir hier haben, zu maximieren?“ Selbst wenn du an diesen großen Mega-Tourneen arbeitest, denke ich, dass die Leute denken, dass Künstler unendlich viel Geld haben, du aber immer noch innerhalb eines Budgets kreierst. Und Budget bekommt Sie immer, egal wie groß es ist. Aber ich denke, Sie passen sich an und versuchen, das Beste aus dem zu machen, was Sie haben. Ich denke, besonders bei diesen Tourneen mit kleineren Veranstaltungsorten ist es so: „Wie nutzen wir sie für den absoluten N-ten Grad?“
Ich denke, was wirklich interessant ist, ist, dass alle Elemente gleich sind. Wir hatten Inszenierung, wir hatten Choreographie, wir hatten Beleuchtung, wir hatten auch eine ziemlich ansehnliche Band, wie eine vierköpfige Band, was bei BLACKPINK dasselbe ist – sie haben eine vierköpfige Band, also bleibt das gleich. Die meisten Elemente und die Menge an Arbeit, die Sie tun müssen, um das zusammenzubringen und daraus eine Show zu machen, die sich zusammenhängend anfühlt, sind ungefähr gleich. Es geht darum, wie viel davon Sie spielen müssen, wie Sie es maximieren können, damit es sich so groß wie möglich oder sogar so klein wie möglich anfühlt. Ich denke, das Problem bei einigen der größeren Touren ist, dass Sie so viel Platz haben. Es ist großartig, so viel Zeit zu haben, aber manchmal möchte man, dass es sich wirklich intim anfühlt. Es ist ziemlich lustig, denn besonders wenn man letztes Jahr von der BLACKPINK-Tour kommt, wo sie in Stadien sind, hat man eine lächerliche Menge Platz, um zu versuchen, sich zu messen. Und ich würde definitiv sagen, dass die Worte „konkurrieren mit“, weil es eine weitere Herausforderung wird. Als sie dann in einen kleineren Veranstaltungsort kamen, gaben sie ihre erste Show Outernet in London, und es ist ein Raum für 2.000 Caps, aber ich sah es immer noch so an: „Oh, hier gibt es viel zu tun, weil wir es tun müssen machen Sie das Beste aus diesem Raum.“
Das ist so interessant. Wie macht man einen kleinen Raum groß?
Bei dieser Show haben wir, wenn wir die volle Beleuchtung haben, diese skizzierte Umrissöffnung, die sich um die Mädchen krümmt. Im Wesentlichen versucht es, das Auge hineinzuziehen, damit es so weit wie möglich und so offen wie möglich aussieht. Wir verwenden viele Linien, die Winkel erzeugen. Wenn wir etwas so aussehen lassen wollen, als hätte es viel Tiefe, verwenden viele Künstler dies in ihren Inhalten, wo Sie diesen endlosen Fluchtpunkt haben, oder Sie schaffen Räume innerhalb des Inhalts hinter dem Künstler, um sich wie auf der Bühne zu fühlen länger. Sie verwenden visuelle Linien mit der Beleuchtung, sodass es sich anfühlt, als gäbe es diesen endlosen und höhlenartigen Raum.
Bei den Mädchen versuchen wir, es so weit wie möglich zu machen. Die Band sitzt, sie befindet sich also in einer Downstage- und Upstage-Position, was normalerweise die Band flach auf dem Rücken sieht, aber das gibt den Mädchen dann Tiefe zum Spielen, weil sie die volle Bühne von vorne nach hinten haben. Es gibt eine Menge Tricks, die wir angewendet haben, und ich denke, das war der erste, den wir gewählt haben, die Bandorientierung, weil sie eine vierköpfige Band haben, die viel Platz auf der Bühne einnimmt. Wir schieben sie zur Seite, öffnen die zentrale Position, und dann haben sie eine Möglichkeit, eine vollständige Choreographie zu haben.
Wie Sie bereits erwähnt haben, gibt es diese offensichtlichen Korrelationen zwischen FLO und anderen nostalgischen Acts. In Bezug auf die Choreografie, wie hast du das mit einem frischen und zeitgemäßen Gefühl in Einklang gebracht?
Ich war sehr glücklich. Ihr Choreograf Cash bekommt einfach die Vision. Er ist perfekt. FLO haben diese unglaublichen Gesangsharmonien, also schlagen sie diesen schmalen Grat zwischen wie viel sie sich bewegen und wie viel sie brauchen, um diesen Gesangsharmonien Raum zu geben. Ich denke, dass Cash dort einen unglaublichen Job gemacht hat, indem er diese schöne Balance hatte, nicht die ganze Zeit in der vollen Choreografie zu sein und ihnen auch Raum für ein bisschen Persönlichkeit zu geben. Es gibt Zeiten, in denen sie sich einfach frei auf der Bühne bewegen, und dann beginnen sie, miteinander und mit dem Publikum zu interagieren, und dann kommen ihre Persönlichkeiten wirklich zum Vorschein. Es wird ein wirklich lustiger und schöner Moment mit dem Publikum.
Ich denke, dass bei all dem immer im Vordergrund stand, diese Balance zu finden, besonders während sie sich damit vertraut machen, wie sie rüberkommen und was eine FLO-Show ist. Sie sehen sich eine K-Pop-Show an und es wird viel geredet, weil sie es einfach lieben, einen Moment mit ihrem Publikum zu verbringen. Wenn Sie sich eine Adele-Show ansehen, hört sie nicht auf zu reden. Und dann bekommt man bei manchen Shows Leute, die überhaupt nicht reden. Wir hatten keine Ahnung, wie es sein würde. Sogar die Mädchen sagten: „Oh, wie viel reden wir?“ Sie haben eine große Verbindung zu ihrem Publikum, also wollen sie das auf jeden Fall hin und her haben. Das war alles, um die richtige Menge an Choreographie, die Art der Choreographie, den Stil der Choreographie zu finden, und dann immer noch in der Lage zu sein, eine Show zu liefern, die Persönlichkeit enthält, diese großartigen Gesangsmomente hat und so weiter. Zum Glück hatte ich Cash und ich denke, er hat es erstaunlich gut gemacht.
Dieses Interview wurde aus Gründen der Übersichtlichkeit bearbeitet und gekürzt.