Charlotte Wells Aftersun ist „persönlich auf eine Weise, die ich mir anfangs nicht vorgestellt habe“

„Aftersun“ – so der Produktname – ist in den USA relativ unbekannt. Die Salbe nach dem Sonnenbad nennt man meist so etwas wie „Aloe-Vera-Lotion“. Das gehört zu den Dingen, an die man nicht sofort denkt, wenn man nach einem passenden Titel für seinen allerersten Spielfilm sucht. Zumindest nicht Charlotte Wells. „Rein instinktiv gewählt und nie wieder darüber nachgedacht“, sagt die 35-jährige schottische Filmemacherin über den Titel ihres Dramas über einen jungen depressiven Vater und seine 11-jährige Tochter im Urlaub in einem Ferienort an der türkischen Küste .

Doch dann wählt Cannes das Werk des unbekannten Wells aus, die Festivalpresse betitelt den Film als „Meisterwerk“, Studio und Verleih A24 legt prompt Geld für einen amerikanischen Kinostart auf den Tisch und es regnet Auszeichnungen: Bafta und Directors Guild of America Award für das beste Debüt, Oscar-Nominierung für den besten Hauptdarsteller (Paul Mescal). Kritiker – auch in Amerika – haben den Film samt Titel unter die Lupe genommen.

Schon Wells hat wunderbare Analysen gelesen: wie sich dieses „Nach-Sonnen-Baden“ auf den Zeitstempel und die hauchdünne Struktur des Films beziehen würde, in dem die Tochter im späteren Leben an den letzten Urlaub mit ihrem Vater in den Neunzigern zurückdenkt. „Sie verlangen mehr, als ich verdiene. Das Filmemachen wird von so vielen Absichten begleitet, mit so viel Sorgfalt, selbst für die kleinsten Entscheidungen. Welche Farbe haben ihre Schlafzimmervorhänge? Oder der Bettbezug? Ich glaube, wegen dem letzten hatte ich am Set wirklich einen Nervenzusammenbruch.

Alle möglichen Dinge, die Sie wahrscheinlich nie bemerken, wenn Sie den Film nicht ein zweites oder sogar drittes Mal sehen. Aber als Filmemacher traut man sich nicht anzunehmen, dass die Leute Ihren Film tatsächlich mehrmals sehen werden. Ich bin schon dankbar, dass die Leute überhaupt zuschauen wollen Nach Sonne. Und gleichzeitig ist ein Film oft voller Zufälle oder glücklicher Zufälle. Zufälle, die Menschen aufgreifen, die tiefer durchdacht zu sein scheinen. Das Nach Sonne ist ein Balsam gegen Schmerzen, habe ich irgendwo gelesen. Schön Beobachtung, dachte ich. Balsam für den Schmerz.‘

Dieser Schmerz wurde durchlebt: Die Regisseurin verlor ihren Vater, als sie 16 war. Etwas, worüber sie lieber nicht sprechen möchte. „Emotional autobiografisch“, nannte sie es Nach Sonne bei der Weltpremiere in Cannes. Später bedauerte sie es: Sie hatte gehofft, dass die Betonung nicht zu sehr auf dem Autobiografischen liegen würde, aber das stellte sich als Fehleinschätzung heraus.

Wells, Videoanruf aus ihrer Heimatstadt New York: „Nach Sonne begann als Film über einen Vater und eine Tochter im Urlaub. Inspiriert von der Beziehung zu meinem Vater und den gemeinsamen Ferien, aber immer noch Fiktion. Ich hatte eine klassischere Handlung im Sinn: etwas, das sich zu einer konventionellen Drei-Akt-Struktur mit dem dazugehörigen Rhythmus und der damit verbundenen Spannung entwickeln würde. Aber während ich das Drehbuch schrieb und über meine Beziehung zu meinem Vater und meine Vergangenheit nachdachte, wurde es viel persönlicher. Der Urlaub im Film ist nicht unser Urlaub, Szenen und Ereignisse entsprechen nicht meinem Leben. Es ist auf eine Weise persönlich, die ich mir anfangs nicht vorgestellt hatte: Es geht um Erinnerung, um Trauer. Manchmal denke ich, dass es einfacher ist, sich bloßzustellen, wenn man sich sagt, dass etwas weniger persönlich ist.“

Ich habe gehört, dass Paul Mescal darauf bestand, eine exakte Kopie eines Hemdes zu tragen, das Ihr Vater einmal getragen hat?

„Ob er wusste, dass es eine Nachbildung war, weiß ich nicht wirklich. Wir hatten unserer Bühnenbildnerin und Kostümbildnerin Urlaubsfotos aus den 1990er Jahren gezeigt. Nicht nur meiner, sondern auch mein Kameramann Greg (Gregory Oke). Der Kostümbildner hatte sich ins Zeug gelegt: Er hatte Repliken angefertigt. Ich betete, dass Paul nicht das Hemd meines Vaters auswählen würde – ich wusste nicht, ob ich mir etwas ansehen konnte, an das ich mich so stark erinnerte. Es fühlte sich ein bisschen zu nah an zu Hause an. Aber Paul hat sich entschieden, so ist es passiert.‘

Nach Sonne ist zum Teil als Coming-of-Age-Geschichte angelegt: die herannahende Pubertät von Sophie (Frankie Corio), ihr sexuelles Erwachen. Wo sich ihre Welt öffnet, scheint sich die von Pater Calum zu schließen: ein wohlmeinender, aber wackeliger, geschiedener Vater, gequält von Depressionen, Geldsorgen und der Vorstellung, nicht ausreichend zu sein.

„Ich glaube, dass man beim Filmemachen präzise sein muss, auch wenn man etwas macht, das Raum für Interpretationen lässt und Raum für das Publikum, Teile der Geschichte mit seinen eigenen Erfahrungen zu ergänzen. Der Zusammenbau war schwierig. Apropos Ausdauer: sieben Monate im Schneideraum. Aber es war auch einfach schwierig, weil die kleinste Änderung große Auswirkungen darauf hatte, wie die Leute auf den laufenden Film reagierten. Es war ein sehr sensibler Prozess, all diese verschiedenen Schichten zu einem Ganzen zu machen. Da ist der Urlaub, aber auch das Videomaterial dieses Urlaubs, die Szenen bei einem Rave, Calums Offenbarung seines persönlichen Kampfes, Sophie als Erwachsene und als Kind, das klassische Erwachsenwerden.

„Es ist ein interessantes Alter, 11 Jahre alt. Du bist noch ein Kind, aber die Pubertät ist bereits in Sicht. Und dann ist er plötzlich da, dieser Schritt. Vielleicht möchten Sie Ihr Bein zurückziehen, aber Sie können nicht. Das ist für mich der Karaoke-Moment Nach Sonne.‘

Wenn Sophie die traurigste Version von ist Meine Religion geht verloren jemals singen.

Frankie hasste diese Szene. Ich glaube nicht, dass es einen Song gibt, den sie mehr hasst Meine Religion geht verloren von REM.

Ich nehme an, das war für einen Moment Ihr Lieblingslied in diesem Alter?

‚Das war es ja. Einer der ersten Songs, von denen ich den Text kannte, als ich ungefähr 5 Jahre alt war. Mein Vater war ein großer Fan von REM, auf jeden Fall etwas Persönliches. Ich überlegte, ob ich mir noch einen Song zulegen sollte, aber nichts schien mir relevanter für die Situation dieses Vaters und seiner Tochter, ihre Frustrationen. Was ich daran mag, ist, dass es gleichzeitig nicht wirklich zu diesem Karaoke-Anlass im Urlaub passt.‘

War es schwierig, die Rechte zu bekommen?

„Es lief reibungslos: Wir hatten einen großartigen Musikbetreuer. Das einzige Mal, dass sie mich anrief, dass etwas schwierig sein könnte, war in einer frühen Szene, in der man kurz hört, was Calum und Sophie am Pool hören. Sie fragte, ob das auch etwas anderes als Oasis and the Spice Girls sein könne. Ich dachte sehr vernünftig. Wir haben Geld für die Musik reserviert: Ich fand es wichtig, Zeit und Ort des Films richtig einzuordnen. Natürlich verspüre ich selbst ein bisschen Nostalgie für diese Zeit, als ich so jung war. Gleichzeitig sollte es oben nicht zu dick sein. In der Bearbeitung haben wir auch einige Aufnahmen von Walkmans und Gameboys entfernt. Es muss sich anfühlen, als wäre man wirklich dort, in einem dieser Ferienorte der Neunziger. Nicht, dass du die ganze Zeit in die Vergangenheit starrst.“

Paul Mescal wurde zu Recht für einen Oscar nominiert. Gleichzeitig wurde Debütant Frankie Corio, der genauso umwerfend ist wie seine 11-jährige Tochter, nie als Anwärter angesehen.

‚Nein, das ist richtig.‘

Kannst du das erklären?

‚Ich kann das nicht tun. Aber wenn man von gleichen Wettbewerbsbedingungen ausgeht, ist das schon bemerkenswert, ja. Ich glaube, früher wurden Kinder öfter erkannt. Dafür wurden sie oft in die Kategorie der Nebendarsteller verbannt, auch wenn sie Hauptrollen spielten: ein etwas seltsames Eingeständnis, dass sie Kinder waren. Aber wenn Frankie weiter schauspielern will, hat sie, glaube ich, diese Möglichkeit.“

Das ist dein Debüt. Waren Sie auf die Reaktionen vorbereitet?

Wells lacht. „Oh nein, das glaube ich nicht. Wir gingen vom Dreh direkt zum Schnitt und dann direkt nach Cannes, wobei wir die Deadline nur knapp einhielten. Der Klang und die Farbe der Version, die sie für die Auswahl überprüften, war bei weitem nicht gut. Ich hatte einfach keine Zeit, über Kritiker oder so nachzudenken. Was nicht heißen soll, dass ich nicht an das Publikum gedacht hätte: Darüber haben wir im Schneideraum endlos gesprochen, ob das gehen würde. Ich hoffte nur, dass der Film für einen kleinen Teil des Publikums von Bedeutung sein würde. Das war unser Ziel: eher eine tiefe Verbindung mit einer kleineren Gruppe von Zuschauern, als ein etwas flacheres Erlebnis für eine größere Gruppe. Ich werde wahrscheinlich nie ganz verstehen, denke ich, wie genau es dazu kam, dass dieser Film jetzt eine so enorme Reichweite hat.‘