„Ich werde auf jeden Fall auf dem Laufenden bleiben, wenn ich Veränderungen bemerke“, sagt Casey, die jugendliche Protagonistin von Wir gehen alle zur WeltausstellungSie unterstrich eine Videobotschaft an ihre Follower mit einem mysteriösen Versprechen. Sie hat gerade die „World’s Fair Challenge“ absolviert, eine Voraussetzung für jeden, der an dem gruseligen Online-Rollenspiel teilnehmen möchte, nach dem der Film benannt ist. Nachdem Casey den Satz „Ich will zur Weltausstellung gehen“ dreimal langsam und mit Überzeugung wiederholt hat, sticht sie sich mit einer Nadel in den Finger, bis sie zu bluten beginnt. Selbst mit minimalem Kontext erkennt der Betrachter schnell, dass was auch immer dies „ändert“. Süßigkeitenmann-esque Initiation könnte dazu führen, wird wahrscheinlich von der makabren Sorte sein. Später, in einem anderen selbst aufgenommenen Video, teilt Casey ihre Motivation mit, die Herausforderung überhaupt anzunehmen: „Ich liebe Horrorfilme, und ich dachte, es wäre cool, zu versuchen, tatsächlich in einem zu leben.“
Erscheint am 15. April in ausgewählten Kinos und dann landesweit am 22. April. Wir gehen alle zur Weltausstellung ist das Spielfilmdebüt von Regisseurin Jane Schoenbrun. Seine schlüpfrige Erzählung verfolgt die kreative Einzelgängerin Casey (Anna Cobb) in den Wochen nach ihrer Entscheidung, mit dem Spielen von „World’s Fair“ zu beginnen, einem kollaborativen Storytelling-Spiel, in dem weit entfernte Teilnehmer unheimliche Details über die angeblichen emotionalen und physischen Nebenwirkungen der Herausforderung austauschen. Ein Upload im Spiel zeigt einen hemdlosen Mann, der sich wiederholt schlägt, während er auf einem Laufband joggt. In einem anderen zeigt ein Teenager mit geschwungenen Haaren einen mysteriösen Hautausschlag, der einer zu Recht beunruhigenden Sequenz von Körperhorror vorangestellt ist. Casey beginnt, ihre eigenen Erfahrungen zu dokumentieren und nimmt gleichzeitig die ständig wachsende Anthologie von Crowdsourcing-Überlieferungen auf und entwickelt sie weiter. Bald beginnen sich die Grenzen zwischen Bildschirm und Realität aufzulösen, ein Durcheinander, das durch Caseys zunehmend angespannte Kommunikation mit JLB (Michael J. Rogers), einem Fremden mittleren Alters, der sich alle ihre Videos ansieht, noch verstärkt wird.
Unter der Leitung eines Filmemachers, dessen Lebenslauf eine Archivdokumentation über das berüchtigte Internet-Monster Slenderman enthält, Weltausstellung fühlt sich auf einzigartige Weise darauf eingestellt, wie Online-Kreativität sowohl Schönheit als auch Gefahr heraufbeschwören kann. Obwohl nicht explizit autobiografisch, nimmt der Film spirituelle Inspiration aus Schoenbruns eigener schlafloser Jugend um die Jahrtausendwende, die sie damit verbrachten, auf Pre-Creepypasta-Horror-Foren auf dem Familien-Desktop zu surfen. „Schon als Kind fühlte ich mich von diesen dunklen Ecken der Welt angezogen“, erzählt mir Schoenbrun kürzlich, als er von ihrem Zuhause in Brooklyn aus über Zoom spricht. „Ich fand immer etwas wirklich Beruhigendes und Magisches an traurigen, gruseligen Dingen. Wenn ich als Künstler arbeite, kommt das ganz natürlich heraus. Das ist der Raum, in dem ich mich umgeben möchte.“
Eines der meistbesuchten Web-Foren von Tween-Alter Schoenbrun wurde gewidmet Schrei, Wes Craven und Kevin Williamsons revisionistischer Slasher aus der Mitte der 90er Jahre, der bis heute dafür gelobt wird, dass er Metatext-Kommentare einbindet, ohne auf legitimen Nervenkitzel und Schüttelfrost zu verzichten. SchreiDer Kassenerfolg von führte zu einer Mischung aus ähnlich selbstreflexiven Splatterfests, eine Mikro-Ära der Horrorgeschichte, über die Schoenbrun im Laufe des Jahres bewusst nachgedacht hat Weltausstellung Entwicklungsprozess. „Ich liebe diese Filme, aber ich kam von einem Ort, an dem ich nicht postmodern sein wollte, nur um postmodern zu sein“, sagt Schoenbrun und erklärt, dass sie mehr daran interessiert waren, zu untersuchen, was es bedeutet, einen kulturellen Moment zu erleben, wenn der primäre Ausdrucksweise ist das Augenzwinkern gegenüber unseren selbst aufgestellten Konventionen. „Mir, [World’s Fair] ist eine Reaktion darauf“, sagt Schönbrun. „Es bedeutet, dass wir emotional einen Punkt erreicht haben, an dem wir nur durch Fiktion kommunizieren und uns selbst aufbauen können.“
Schoenbruns Beschäftigung mit der Entwicklung des Genrekinos wird durch Casey erkundet, eine Figur, die die Realität nur mit der Sprache der Filme und Fernsehsendungen, die sie konsumiert, wirklich verarbeiten kann. Dieses Video-Geständnis darüber, dass es „cool sein könnte“, in einem Horrorfilm zu existieren, schwingt anders mit, wenn wir erkennen, dass Casey im Kontext eines Spiels operiert, das die Selbstdarstellung fördert. Wenn sie so etwas wie Schoenbrun ist, der queer und trans ist, verdeckt diese Affinität zur Online-Mythologisierung vermutlich nebulösere Sehnsüchte. „Ich denke, das ist wahrscheinlich der Grund, warum ich lange im Internet war, während alle anderen in meinem Haus schliefen“, sagt Schoenbrun. „Ich habe in diesen Horrorräumen nach einer Art Intimität gesucht, von der ich wusste, dass ich sie in der Umgebung, in der ich aufgewachsen bin, nicht finden konnte.“
Um ihre Vision von einem Film zu verwirklichen, der diese jugendliche Seelensuche mit poetischer Authentizität einfängt, stellte Schoenbrun eine vertrauenswürdige Gruppe von Mitverschwörern zusammen. Kameramann Daniel Patrick Carbone half dabei, eine Ästhetik zu schaffen, die sich absichtlich handgemacht anfühlt und akribisch sowohl die schlafzimmergebundene Intimität von Caseys nächtlicher Welt als auch die entpersönlichten Äußeren ihrer ländlich-vorstädtischen Tummelplätze einfängt. Die Originalmusik wurde von Alex G komponiert, einer Kult-Indie-Rock-Figur, die dafür bekannt ist, surreale Ohrwürmer mit verzerrten Vocals und wahnhaften Erzählern zu machen; Es fällt mir schwer, mir einen passenderen Mitarbeiter für einen Film über die psychischen Traumata des Aufwachsens in einer von Unwirklichkeit beherrschten Welt vorzustellen. „Ich wollte einen Film machen, der sich so anfühlt, wie ich mich als Kind gefühlt habe, und nicht nur in der [Casey] Charakter, sondern in der gesamten Persönlichkeit und Perspektive des Films“, erklärt Shoenbrun und demonstriert ihr Verständnis für die Magie, die entstehen kann, wenn die Form das Thema verkörpert.
Die Hauptdarstellerin für die hypnotisierende Qualität des Films ist jedoch die Newcomerin Anna Cobb, die zum Zeitpunkt der Dreharbeiten 17 Jahre alt war. „In der Sekunde haben wir sie alle gesehen [audition] Band – nach monatelanger Suche – wussten wir, dass wir Casey gefunden hatten“, erinnert sich Schoenbrun. Cobb, der große traurige Augen und einen schwer einzuordnenden Akzent hat, verkörpert die Komplexität von Casey mit einer unheimlichen Spezifität. Das Ergebnis ist eine Figur mit verwirklichtem Gefühl, die gleichzeitig bedrohlich und liebenswert, gewöhnlich und doch zwanghaft zu beobachten ist. Cobb verleiht Caseys selbstbewusstesten Videos – wie der rituellen Eröffnung oder einer unerwartet beunruhigenden Szene, in der sie sich beim Tanzen filmt – eine psychologische Wahrhaftigkeit; Sie lässt uns an die Idee von Casey glauben, auch wenn wir vermuten, dass die Figur nicht ehrlich ist. Schoenbrun schreibt die transformative Leistung Cobbs umfassender Vorbereitung, aber auch weniger greifbaren Eigenschaften zu: „Anna ist eine der intuitivsten und einfühlsamsten Menschen, die ich je getroffen habe“, sagt Schoenbrun.
Aber ich kann nicht umhin, Ähnlichkeiten zwischen Casey und Dorothy zu entdecken, zwei einsamen jungen Menschen, die Tagträume nutzen, um ihrer täglichen Angst zu entfliehen, und dabei versehentlich in verwirrende Momente der Selbstfindung stolpern.
Beim zweiten Mal habe ich zu Ende geschaut Wir gehen alle zur Weltausstellung, Ich konnte nicht aufhören, Casey als eine Art Dorothy Gale nach dem Internet zu sehen, die Ikone Der Zauberer von OZ Heldin, für die ein mystisches Reich eine Atempause von der sogenannten realen Welt bietet. Konkret wanderten meine Gedanken zu Kehre nach Oz zurückWalter Murchs düstere Fortsetzung von 1985, die letztlich eher mit so etwas gemein hat Valerie und ihre Woche der Wunder als das Musical Judy Garland. Die Eröffnung des Films führt die junge Dorothy zurück in das triste Kansas der Depressionszeit, so verzweifelt nach ihren jenseitigen Abenteuern, dass ihre Familie sie in eine stationäre Einrichtung schickt, die Elektroschocktherapie an Kindern durchführt.
Ich habe nicht herausgefunden, ob Schoenbrun bewusst nach Inspiration in Oz gesucht hat, einem fruchtbaren Text, der zuvor von Traumlogik-Enthusiasten wie David Lynch und Stanley Kubrick abgebaut wurde. Aber ich kann nicht umhin, Ähnlichkeiten zwischen Casey und Dorothy zu entdecken, zwei einsamen jungen Menschen, die Tagträume nutzen, um ihrer täglichen Angst zu entfliehen, und dabei versehentlich in verwirrende Momente der Selbstfindung stolpern. Das Eröffnungspaar von „End Song“, das Alex G für den Soundtrack geschrieben hat Weltausstellung Abspann, sagt „Ich entscheide mich zu bleiben / Es gibt keinen anderen Weg.“ Für mich weckt der Text körnige VHS-Erinnerungen an Dorothys depressiven Geisteszustand zu Beginn von Kehre nach Oz zurück. Aber es ergänzt auch perfekt die Mehrdeutigkeit von Weltausstellung’s ergreifend ergreifender Schluss.
Die Tatsache, dass Wir gehen alle zur Weltausstellung so viel unbeantwortet lässt, deutet weiter darauf hin, dass Schoenbrun keine übertriebenen Auseinandersetzungen über den Zustand des modernen Teenagers oder die Gefahren eines allzu Online-Lebens führen will, auch wenn sie diese Dinge faszinierend finden. „Man möchte dem Drang widerstehen, mit erhobenem Zeigefinger darüber zu reden und zu sagen: ‚Schau mal, wie schlimm die Kinder heute sind; sie können sich nur über YouTube unterhalten’“, sagen sie gegen Ende unseres Gesprächs. „Bis zu einem gewissen Grad stimmt das, aber sie sind auch Menschen, die versuchen, ein zeitloses Rätsel zu lüften: Wer zum Teufel bin ich und warum bin ich hier in diesem Raum?“
Wir gehen alle zur Weltausstellung kommt ab dem 15. April in die Kinos und wird am 22. April auf allen digitalen Plattformen verfügbar sein.