Der schwedisch-amerikanische Künstler Claes Oldenburg machte großformatige Bilder: humorvoll, aber mit ernstem Unterton. Mit seiner niederländischen Frau Coosje van Bruggen bildete er ein Duo.
Sie sind die einfachsten Gegenstände, die Sie sich vorstellen können. Eine Wäscheklammer, Zahnbürste, Taschenlampe, Kelle oder eine Bowlingkugel plus entsprechende Kegel. Aber dann in Dimensionen, die einem schwindelig machen. Es ist, als würde man die Welt durch ein Vergrößerungsglas betrachten. Claes Oldenburg hat sie alle metergroß als Skulpturen auf Plätzen und in Parks geschaffen. Sie schmücken viele Stadtbilder, auch in den Niederlanden. Der Schöpfer starb am Montag im Alter von 93 Jahren in seinem Haus in Manhattan.
Alles begann mit einem Witz. Diplomatensohn Oldenburg, geboren in Stockholm, Student der Kunstgeschichte, Theater und Literatur an zwei Akademien in Chicago, schließlich Umzug nach New York, eröffnete 1961 ein Geschäft in seinem Atelier. Nicht irgendein Laden, sondern einer mit Dessous und einer Vitrine voller Pasteten, Burger, Lasagne und Fleisch − aus bemaltem Gips.
Es war die frühe Blütezeit der Pop-Art. Die Bewegung, die vor allem in den Vereinigten Staaten eine enorme Flucht ergreifen würde. Verständlicherweise als eine Bewegung, die sich den Auswüchsen der Konsumgesellschaft der Nachkriegszeit entgegenstellt oder zumindest nutzt. Durch den zunehmenden Wohlstand und das Aufkommen von Haushaltsgeräten, Fertiggerichten und neuen Freizeitaktivitäten.
Oldenburg fühlte sich damals wohl. Obwohl er ursprünglich traditionelle Landschaften in Amerika malte, sah er um sich herum, wie sich die Kunst veränderte. Und wie sehr sie sich mehr und mehr an gesellschaftlichen Entwicklungen orientierte, wie er an den Arbeiten von Robert Rauschenberg, Andy Warhol, Jasper Johns und Roy Lichtenstein sah. Oldenburg fand darin seine Themenwahl und sein Publikum. Denn jeder konnte sich mit seiner Arbeit identifizieren.
Anfangs Ende der fünfziger Jahre konnte Oldenburg seine Nische noch nicht finden. Er experimentierte mit Performances und Happenings, Theaterformen, die auf dem Vormarsch waren. Und er fing an, über eine Serie nachzudenken „weiche Objekte“ (was er später aufführen würde). Objekte, aus denen die Luft entwichen zu sein schien, wie ein zusammengebrochenes Schlagzeug, eine halb durchgebrannte Toilette, Lichtschalter und Toaster, die „geschmolzen“ sind, eine entleerte Schreibmaschine.
Erst mit den großformatigen Bildern, die bis in die 1970er Jahre weitgehend nur auf Papier existierten, nahm seine Kunstfertigkeit enorm Fahrt auf. Und sein Bild vom Smiley in der Kunstwelt. Sicher, seine hi-hi-ha-ha-Arbeit hatte auch einen ernsten Unterton. „Ich bewundere Humor“, sagte Oldenburg in einem seiner vielen Interviews, aber Humor war nicht die einzige Motivation hinter seinem Werk.
Er vertrat die Prämisse, dass Kunst eigentlich gar nicht in ein Museum gehört, sondern für ein breites Publikum auch außerhalb sichtbar und zugänglich sein sollte. 1961 veröffentlichte er sogar ein Manifest zu seinen Ideen, in dem er sich für eine Kunst aussprach, die „politisch-erotisch-mystisch ist“ und „etwas anderes tut, als im Museum auf dem Arsch zu sitzen“.
Die teils gigantischen Ausmaße seiner Skulpturen boten sich gut für eine architektonische Variante an. So wie der Eingang zum Hauptquartier der Werbeagentur ChiatDay in Los Angeles, der wie ein stabiles, fünfzehn Meter hohes, dunkelgraues Fernglas geformt ist.
Ab den 1970er Jahren bildete er mit seiner zweiten, holländischen Frau Coosje van Bruggen (verstorben 2009) ein Künstlerduo. Die Verbindung ist auch der Grund, warum einige seiner Bilder in den Niederlanden zu sehen sind. Wie die Kelle im Garten des Museums Kröller Müller, der Schraubenbogen im Museum Boijmans Van Beuningen oder das „fliegende“ Bowling-Set in der John F. Kennedylaan in Eindhoven.