Amerikas Top-Kunstsammler sind überraschend oft Frauen – eine von ihnen, Emily Fisher Landau, ließ letztes Jahr einen Picasso für 139 Millionen Dollar versteigern. Ohne diese Visionäre hätte die amerikanische Kunstwelt ganz anders ausgesehen.
Plötzlich stand der Zähler bei 406 Millionen Dollar. Und das nach nur einer Stunde Bieten, auch dank des cleveren Auktionators Oliver Barker: „Höre ich Sie 9 Millionen sagen, Madam?“ Ein absoluter Hingucker war am 8. November 2023 das Porträt, das Pablo Picasso 1932 von seiner jungen Geliebten Marie-Thérèse Walter malte und das bei Sotheby’s für 139 Millionen Dollar inklusive Provision verkauft wurde. Es ist der zweitteuerste Picasso, der bei einer Auktion den Besitzer wechselte.
Applaus erhob sich aus dem Publikum. Vielleicht auch für die Person, die das Picasso-Gemälde und die dreißig anderen versteigerten Kunstwerke einst erworben hatte: Emily Fisher Landau. Die amerikanische Sammlerin – laut Barker „eine der größten Förderinnen ihrer Generation“ – starb Anfang des Jahres im respektablen Alter von 102 Jahren. Ihr Nachlass umfasste Werke von Jasper Johns, Josef Albers, Piet Mondriaan, Alexander Calder, Andy Warhol, Agnes Martin, Willem de Kooning, Mark Rothko, Picasso und vielen anderen großen Persönlichkeiten.
Über den Autor
Rutger Pontzen ist seit 2002 Kunstkritiker und Redakteur für bildende Kunst de Volkskrant und schreibt über antike, moderne und zeitgenössische Kunst.
Denkwürdig ist auch: Was bei der Abendauktion am 8. November unter den Hammer kam, war nur ein Teil ihrer umfangreichen Sammlung. Im Jahr 2010 ließ Fisher Landau etwa vierhundert Werke (mit einem geschätzten Wert von 75 Millionen US-Dollar) in Kisten in das Whitney Museum of American Art in New York bringen, dessen Schirmherrin sie viele Jahre lang war. Ist gewesen. Das Museum wurde von Gertrude Vanderbilt Whitney, der ebenfalls äußerst wohlhabenden Sammlerin moderner Kunst, gegründet, allerdings ein Jahrhundert früher.
Künstlerische Eingefleischte
Emily Fisher Landau und Gertrude Vanderbilt Whitney sind nur zwei Namen weiblicher Sammler in den Vereinigten Staaten, darunter Gertrude Stein, Peggy Guggenheim, Helen Frick, Mary Griggs, Isabella Gardner und Katherine Dreier. Insbesondere zu Beginn des letzten Jahrhunderts legten sie einen soliden Grundstein für die reiche Sammlung moderner westlicher Kunst, die Amerika besitzt, und für den herausragenden Platz, den Amerika sowohl künstlerisch als auch finanziell immer noch in der globalen Kunst einnimmt.
Natürlich ist die amerikanische Kunstwelt seit langem für ihre männliche Beschäftigung bekannt. Vor allem dank künstlerischer Größen wie Jackson Pollock, Franz Kline und Willem de Kooning sowie dem Kunstkritiker-Duo Clement Greenberg und Harold Rosenberg (Spitzname: „Green Mountain & Red Mountain“), die sich fluchend, schimpfend und trinkend in den Vordergrund drängten Die amerikanische Kunstszene florierte.
Das Gleiche gilt für die Gilde der Sammler. Solomon Guggenheim, Albert Barnes, Joseph Hirshhorn und Duncan Phillips sammelten ihre Monets, Renoirs und Cézannes, als wären sie Süßigkeiten, am Martinstag und ließen zu diesem Zweck unvergessliche Museen errichten. Beispielsweise hinterließ Albert Barnes seinem gleichnamigen Museum in Philadelphia nicht weniger als 181 Renoirs, 69 Cézannes, 59 Matisses, 46 Picassos, 16 Modiglianis und 7 Van Goghs.
Unbezwingbare Damen
Doch wer denkt, die Kunst sei in Amerika in den Jahrzehnten vor dem Zweiten Weltkrieg nur Männersache gewesen, der irrt. Beispielsweise war der erste Direktor des Museum of Modern Art in New York im Jahr 1929 zwar der damals 27-jährige Alfred Barr, doch seine Gründung ging auf die Initiative von drei Sammlerinnen zurück: Lillie Bliss, Abby Rockefeller und Mary Sullivan. berüchtigt als „die unbezwingbaren Damen“. Und so wie Gertrude Vanderbilt Whitney die Gründerin des Whitney Museums war, war ihre Sammlerkollegin Isabella Stewart Gardner die Gründerin des Gardner Museums in Boston.
Obwohl sie weniger auffällig waren, waren Frauen als Kunstsammlerinnen und Kunstverfechterinnen ebenso aktiv. Sie kauften nicht nur Kunstwerke (in großer Zahl), sie beriefen auch Versammlungen ein, wurden in Museumsvorstände berufen und organisierten Ausstellungen. Durch Diskussionen, Lektüre und Reisen durch Europa, mit oder ohne Unterstützung meist männlicher Berater, wurden sie über die neuen Trends und das Geschehen in der modernen und zeitgenössischen Kunst informiert – wer heiß war und wer nicht.
Selfmade-Millionär
Das Beispiel von Katherine Dreier ist berühmt. Wie Gertrude Vanderbilt Whitney war Dreier selbst Künstlerin, erlangte jedoch größere Anerkennung als unermüdliche „Propagandistin“ experimenteller Kunst, wie die Kunstkritikerin Aline Saarinen sie charakterisierte. Zusammen mit Marcel Duchamp und Man Ray gründete sie die Society of Independent Artists und die Société Anonyme mit dem Ziel, Konzerte, Ausstellungen, Vorträge und Publikationen zu fördern. Nach ihrem Tod im Jahr 1952 vermachte sie dem Guggenheim Museum Werke von Brancusi, Calder, Schwitters, Kandinsky und (natürlich) Duchamp.
Ähnlich verhielt es sich mit dem Kreis von Musikern, Komponisten, Künstlern, Schauspielern und Politikern, den A’Lelia Walker bei Abendessen und Soireen in ihrer Residenz in Manhattan oder ihrem großzügigen Landsitz in Irvington empfing. Ihre Mutter war die erste Selfmade-Millionärin mit afrikanischen Wurzeln in Amerika. A’Lelia übernahm als Erbschaft das Kosmetikunternehmen ihrer Mutter, verdiente noch mehr Geld (bis zum Börsencrash 1929) und gab es für die Förderung von (afroamerikanischer) Literatur, Musik und Kunst sowie der Emanzipation von Schwulen und Lesben aus. während der Zeit, die als „Harlem Renaissance“ bekannt wurde.
„Kaufe ein Bild pro Tag“
Mit einigem Mut kann man sagen, dass die amerikanische Museumswelt ohne den unermüdlichen Einsatz von Frauen ganz anders ausgesehen hätte. Peggy Guggenheim, die in New York ihre Galerie Art of this Century gegründet hatte (und Piet Mondriaan als Berater engagierte) und als Sammlerin das Motto hatte: „Kaufe ein Bild pro Tag“. Betty Parsons, die als Galeristin für die Maler des abstrakten Expressionismus wichtig wurde. Hilla Rebay (ursprünglich Hildegard Anna Augusta Elisabeth Baroness Rebay von Ehrenwiesen), die erste Direktorin des Guggenheim Museums in New York, als es 1939 eröffnet wurde.
Im Nachhinein ist es leicht zu erklären, dass die Vereinigten Staaten überhaupt eine so große Begeisterung für moderne Kunst hatten. Kurz gesagt: Das Land selbst hatte bis auf wenige hochromantische Naturmaler keine westliche Kunsttradition, wollte es aber Ende des 19. und Anfang des 20. Jahrhunderts aus Neugier und Lust auf Kultur haben Statusbestätigung. Und mit viel Geld konnte es dank der zunehmenden Industrialisierung (Förderung von Öl, Kohle und Eisenerz, Bau von Eisenbahnen usw.) einfach gekauft werden.
Ein anschaulicher Bericht des Künstlers Jerome Myers über den kulturellen und finanziellen Reichtum, in dem die Vanderbilt Whitneys in den 1930er Jahren lebten, sagt alles. Wie das Publikum während eines Spiels auf ihrem Anwesen auf Long Island „einen wahren Katalog von Berühmtheiten, Malern und Bildhauern“ bildete. „Ich kann mir die vielen wechselnden Szenen unserer Vergnügungen kaum vorstellen, geschweige denn beschreiben: versunkene Teiche und wunderschöne weiße Pfauen, die sich wie Linienornamente in den Gärten ausbreiten; und leuchtende Papageien in ihren schwingenden Käfigen, die den Anwesenden mit dem Schnabel nickten.“
Amerikanische Künstler gingen nach Europa, um das Handwerk zu erlernen; Sammler verfolgten sie, um Galerien, Händlern und den europäischen Künstlern selbst einen rasanten Ansturm zu verschaffen. So wurde im Gefolge mittelalterlicher Chorschranken, Renaissancestatuen, Gemälde aus dem 17. Jahrhundert, Porzellan und der Romantik des 19. Jahrhunderts eine Fülle impressionistischer, neoimpressionistischer, expressionistischer, kubistischer und früher abstrakter Meisterwerke über den Atlantik verschifft.
Am Küchentisch mit Renoir
Die Schriftstellerin und Kunstsammlerin Gertrude Stein hörte hier nicht auf. 1903 ließen sie sich mit ihrer Freundin, der Kochbuchautorin Alice B. Toklas, im Zentrum der europäischen Avantgarde nieder: Paris. Warum im damals noch kaum erforschten amerikanischen Kulturleben warten, wenn man nach zwei Wochen Segeln mit Picasso, Cézanne, Renoir und Bonnard am Küchentisch sitzen könnte?
Die europäische Kunst stand hierarchisch an der Spitze; Amerika lag weit darunter. Schöne Anekdote: Als Gertrude Vanderbilt Whitney 1929 dem Metropolitan Museum in New York ihre umfangreiche Sammlung von sechshundert amerikanischen Gemälden und Skulpturen sowie Geld für den Bau eines neuen Flügels anbot, lehnte das Museum ab. Sie wollten keine Kunst von ihren Landsleuten.
Die erste organisierte Bestätigung des amerikanischen Interesses an europäischer Kunst fand übrigens 1913 bei der berühmten Armory Show statt: Das erste Mal, dass europäische Künstler in großem Umfang in New York ausgestellt wurden. Es löste eine Begeisterung aus, die als Katalysator für eine noch größere Sammelwut dienen sollte. Das meiste, was in dieser Ausstellung gezeigt wurde, stammte aus der Frauensammlung, die auch etwa 90 Prozent des Budgets finanziert hatte.
Aufholen
Teilweise dank dieser Sammlerinnen, Wohltäterinnen und Vorstandsmitglieder erhielt Amerika in den 1930er und 1940er Jahren einen kulturellen Aufschwung. Dazu gehört auch die wachsende Zuversicht, dass das Land seine eigenen Künstler, Museen und Galerien hervorbringen kann und nicht mehr auf Importe aus Europa angewiesen ist. Eine Aufholjagd, die zwar teilweise von Frauen initiiert wurde, aber schließlich in einer Kunstszene gipfelt, die von Pollock und seinem Club männlicher Trinkbrüder bevölkert wird. Es kann sich ändern.
Dass amerikanische Museen neben all diesen Machos nun auch wieder Künstlerinnen suchen, klingt nach einer panischen zweiten Aufholjagd, nur um mit der Zeit zu gehen. Man würde fast vergessen, dass Frauen wie Gertrude Vanderbilt Whitney, Gertrude Steiner, Lillie Bliss und Katherine Dreier bereits vor hundert Jahren Vorbilder für die Emanzipation in der Kunst waren. Nicht nur als hyperaktive und führende Sammler, Kunstliebhaber und Philanthropen, sondern auch als Pioniere der Gleichberechtigung, denen dafür nicht genügend Anerkennung zuteil wurde.
Unsere Helene
Helene Kröller-Müller (1869-1939) verfügt allein über die zweitgrößte Van-Gogh-Sammlung (nur das Van-Gogh-Museum verfügt über eine größere) und kann als führende und weitsichtige Sammlerin bezeichnet werden. Mit dem Geld ihres Mannes Anton Kröller und der Unterstützung ihres Beraters HP Bremmer erwarb sie eine riesige Sammlung von Gemälden und Skulpturen, unter anderem von Picasso, Léger, Seurat, Mondriaan und Braque, die sie ihrem eigenen Museum hinterließ Veluwe.