In der Kunstwelt wirken nur wenige Medien so eindringlich wie ein Gemälde. Da ist die unermüdliche Liebe zum Detail fotorealistischer Maler, die erschütternden Darstellungen der Psyche und die völlige Ekstase von Werken voller Verlangen. Künstler wie Lizzy Lunday konzentrieren sich auf den Kunstgriff der Besessenheit, während Künstler wie Sara Birns das menschliche Gesicht verzerren und umformen, um mit der Bedeutung des Erkennens zu spielen. Eine Leinwand genügt, um den Betrachter im gegenwärtigen Moment zu zentrieren, den Geist zu durchdringen und zu berühren und nebenbei die Perspektive neu zu gestalten. Für die Kunstausgabe 2023 stellt Ihnen NYLON die neuesten talentierten und aufregenden Künstler vor, die die Grenzen des sich ständig weiterentwickelnden Mediums Malerei überschreiten – und das gerade erst am Anfang steht.
Lizzy Lunday
Lizzy Lunday malt Szenen zeitgenössischen Glamours mit der Logik von Träumen. Der in Brooklyn lebende Künstler fertigt großformatige, collagenartige Gemälde mit Bildern aus der Popkultur an, insbesondere aus den sozialen Medien und dem Reality-TV-Kult. In Anlehnung an das Genre der Historienmalerei – einem Malstil, der im Frankreich des 17. Jahrhunderts für grandiose Werke geprägt wurde, die wichtige Momente des Krieges und der Bibel einfingen – verspottet Lundays kaleidoskopisches Werk nicht nur unsere Verherrlichung von Figuren der Popkultur, sondern schneidet es auch und verzerrt sie, wodurch neue, faszinierende Karikaturen entstehen, die unsere Wahrnehmung der Realität verzerren. „Clasped“ erinnert zum Beispiel an das einprägsame Foto von Bella Hadid, die beim letzten Match von Serena Williams weinte, und zeigt eine Hadid-ähnliche Figur mit zum Gebet gefalteten Händen in einer Palette aus Korallen-, Rosa- und Orangetönen. Das Werk entlarvt letztendlich die Kunstfertigkeit der Besessenheit, alles in breiten Strichen und köstlichen Farben. — Sophia June, Kulturautorin
Sara Birns
Die Gemälde von Sara Birns sind surreal und völlig fesselnd. Birns‘ Stil erinnert an die alten Meister: Ölgemälde voller Emotionen und einer lebendigen Flut an Details. Ihre Arbeit hat einen Unterton von Komik. Gesichtszüge sind verzerrt und mit ihnen auch die Erkennungsmerkmale. Manchmal ist es die Intensität fleischiger Haut, gelber und gefurchter Zähne und trockener, rissiger Lippen. Ein anderes Mal die himmlisch weichen Haarsträhnen auf den Ohren eines Chihuahua-Welpen und ein geduckter Humanoid in der ekstatischen Umarmung eines listigen, zwinkernden Filderkraut-Kohlkopfes. Aber immer herrscht eine seltsame und doch vertraute Intimität, die in völliger Klarheit zum Vorschein kommt. — Layla Halabian, Kulturredakteurin
Aristoteles Forrester
Diese abstrakten Gemälde sind kraftvoll strukturiert und in kräftigen Farben wiedergegeben – viele davon stellt Aristoteles Forrester selbst durch das Schleifen von Pigmenten und Öl von Hand her – und fordern Sie dazu auf, weiterzuschauen. Ursprünglich aus der South Side von Chicago stammend und heute in New York ansässig, befasst sich ein Großteil seiner Arbeit mit persönlichen und historischen Beweisen für Rassenungerechtigkeit. Forrester implementiert Symbole oft mit einem kubistischen Ansatz; Mit Figuren wie dem Reiter, der Fahne, der Maske und dem Flüchtling hinterfragt er Rassenkonstrukte und untersucht Machtstrukturen. — SJ
Vanessa Gully-Santiago
Die dunklen, unerkennbaren Tiefen des Selbst kommen in Vanessa Gully-Santiagos Rückkehr zur Selbstporträtierung, in der sowohl der Geist als auch der Körper zu einem unwillkommenen Gefängnis werden, voll zur Geltung. In Selbstporträt im roten KleidGully-Santiagos Verwendung von blutroten Farbtönen vor grellem Weiß ruft Besorgnis und Unbehagen hervor, Gesichter sind gerade so verschwommen, dass sie den unerbittlichen Dunst der Sorge nachahmen. Doch mit dem psychologischen Körperhorror geht auch eine Umarmung der Sehnsucht einher. In Liebesbaum, Die Verwendung von handgeschriebenen Abschiedsbriefen und Aufklebern durch den Künstler, Artefakte aus der Vorschule, dient als Erinnerung daran: „Selbst wenn du jetzt allein bist, haben sich die Leute irgendwann um dich gekümmert.“ — LH
Kat Lowish
Kat Lowishs realistische Gemälde sind so hypnotisch, dass sie fast beruhigend wirken. Mit gedämpften Farben stellt sie ruhige Momente der Mädchenzeit wunderschön dar: kardinalfarbene Socken, die in einer Badewanne hängen, eine getigerte Katze, die auf einen Schatten starrt, ein beringter Finger, der Garnelen von einem Teller pflückt. Aber der fesselndste Teil ihrer Arbeit ist ihre unheimliche Fähigkeit, Licht und Schatten zu malen und so ein spürbares Gefühl heiterer Einsamkeit zu vermitteln. — SJ
Sof’ya Shpurova
Sof’ya Shpurova wandelt auf dem schmalen Grat zwischen Beunruhigend und Einfühlsam. Die Künstlerin bindet Elemente der russischen Ikonenmalerei aus ihrer Heimat in ihr Werk ein, insbesondere durch vergrößerte, wachsame, vielleicht sogar gequälte Augen. Shpurovas Gemälde wirken sowohl mystisch als auch roh, wie kostbare Artefakte aus einer traumhaften Welt, die im harten, durchdringenden Licht der Realität schnell verschwimmen und verblassen. — LH
Anthony Cudahy
Anthony Cudahys Gemälde wirken wie die Brücken von Liebesliedern und die überraschend zarten Akkorde, die sie alle miteinander verbinden. Cudahy greift auf mittelalterliche und volkstümliche Maltraditionen zurück und bezieht Bilder von Instagram, Filmstills, queeren Archivbildern und dem wirklichen Leben. Er stellt männliche Figuren in satten Farben dar, unterstreicht die Romantik kleiner Momente mit einem zarten Blick und weckt Nostalgie nach realen oder eingebildeten Erinnerungen . — SJ
Hannah Hill
Hannah Hills Kunst ist ein Liebesbrief an den tiefen Süden. Der in Alabama geborene und in Brooklyn lebende Maler taucht in die eindringlichen Gespenster der Südstaaten-Folklore ein, um Werke zu schaffen, die nicht nur durch Farbe und Stimmung, sondern auch durch brennendes Verlangen großzügig sind. Auf den großformatigen Ölgemälden von Hill finden sich vereinzelt Erinnerungsstücke an die göttliche Weiblichkeit der Südgotik: von einem fliegenden blauen Kranich, der mit mythologischer Majestät herabfliegt, bis hin zu einer schattenhaften Gestalt, die durch einen Maschendrahtzaun in die Dunkelheit geht und nur von einem leuchtenden esoterischen Schwert erhellt wird Weg. — LH
Willa Nasatir
Die aus Los Angeles stammende Willa Nasatir ist ein ehemaliges Flickr-Mädchen, das als Teenager bei American Apparel als Schützling des Kreativdirektors der Marke arbeitete, Fotos machte und Werbung für das Unternehmen erstellte. Ihr fotografischer Hintergrund prägt ihre jüngsten Gemälde und spiegelt die Flachheit fotografischer Bilder wider – im Gegensatz zur treibenden Dynamik ihrer psychedelischen, abstrakten Gemälde, die an den Surrealismus grenzen. Anhand von Bildern wie Zähnen, Röntgenbildern und Kinderspielzeug interessiert sich Nasatir für Verzerrungen, für die Logik von Träumen und für psychoanalytische Perspektiven. — SJ
Caleb Hahne Quintana
Ein Teil der Praxis des in Denver geborenen und in New York lebenden Malers Caleb Hahne Quintana besteht darin, seine mexikanische Identität zurückzugewinnen. Seine exquisiten, persönlichen Gemälde, wie zum Beispiel eine Hand, die das bernsteinfarbene Haar seiner Mutter bürstet, wirken wie ein kurzer Zugriff auf die Erinnerung eines anderen, nur um dann herauszufinden, dass es sich um einen Traum handelt. Ein Großteil seiner Arbeit spielt sich im melancholischen, aber hoffnungsvollen Licht der Abenddämmerung ab. Mit üppigen Farbverläufen schwillt seine Arbeit zu einem schwer zu fassenden Gefühl der Hingabe an. Er fühlt sich vor allem zu Naturlandschaften hingezogen – vor allem Wasser ist ein Motiv – sei es das Gemälde einer schwebenden Figur, die eine Zigarette raucht, oder eines Mannes, der bis zu den Waden auf einem schwarzen Hengst in weißem Sand und türkisblauem Meerwasser steht. — SJ
